C'est Conséquence' 15e anniversaire , et tout au long du mois de septembre, nous publierons une série de pièces rétrospectives englobant la propre histoire de notre publication – et le paysage du divertissement en général. Aujourd'hui, nous lançons le tout avec notre nouvelle liste améliorée des 100 meilleurs albums de tous les temps.
Oh mon Dieu, nous sommes de retour. Cela fait plus d'une décennie que nous avons essayé pour la première fois de résumer toute l'histoire de la musique populaire dans les 100 plus grands albums de tous les temps. Oubliez comment les opinions ont changé au cours de ces 12 années - l'ensemble Culture a changé. Même les personnes qui participent à cet exercice sont différentes, puisque seuls deux membres du personnel qui faisaient partie de la liste OG, publiée en 2010, restent avec Conséquence aujourd'hui.
Naturellement, les choses vont être différentes cette fois. Les goûts ont été remodelés, les genres sont nés et se sont éteints, et la façon dont nous divisons l'importance à travers l'histoire a été modifiée par la nature même du présent. Tous ces facteurs contribuent à la création d'un monstre comme celui-ci, ce qui signifie des enregistrements qui n'ont pas été pris en compte - ou même publié - la dernière fois que nous avons entrepris ce défi, nous avons maintenant un placement de premier plan. À leur tour, d'autres grandes œuvres ont été repoussées, ou vers le bas, ou vers le haut.
Une chose reste la même, cependant : vous allez être en désaccord autant que vous êtes d'accord avec ce que nous avons fait ici. Vous allez vous demander comment l'album X n'a pas mérité d'être mentionné, ou pourquoi l'album Y est supérieur à l'album Z. Ou diable est l'artiste W ? ! Nous n'allons même pas discuter avec vous. Croyez-nous, nous nous sommes posé la question aussi, nous en avons parlé et fait des choix difficiles, souvent à l'encontre de nos convictions personnelles.
Maintenant, peut-être que cela ne vous impressionne pas beaucoup. Peut-être que vous, cher lecteur, pensez qu'il existe un classement définitif, éternel et irréprochable des records qui pourrait être tiré de l'éther avec la bonne méthodologie. Qui sait, peut-être avez-vous raison. Ce n'est pas cette liste.
Il s'agit d'une liste compilée à travers des heures de débat, de frustration, de rire, d'acquiescement et d'épiphanie. C'est celui qui a évalué la valeur mercurielle attachée à l'art, des perceptions au moment de la création, à la considération rétrospective, à l'impact sur les modes en constante évolution. C'est aussi celui qui a permis à la joie d'être un facteur de grandeur.
Alors, allez-y, lancez vos critiques. Exprimez vos sentiments sur la façon dont vos artistes préférés ont été laissés de côté ou sur la façon dont nous avons sauté ce LP emblématique. Nous l'accueillons ! Et quand la poussière est retombée, le personnel de Conséquence se tiendra fier derrière notre liste des 100 meilleurs albums de tous les temps. Jusqu'à la prochaine fois.
— Ben Kaye
Directeur d'édition
Éd. Remarque : sélectionnez les textes de présentation de la liste d'origine affichés chaque fois qu'ils sont inclus ici, ils sont indiqués par (2010).
Creusez l'illustration sur cette liste 'https://shop.consequence.net/products/100-greatest-albums-of-all-time-poster' rel = 'noopener'> ici , et une version encadrée ici .
100. La dépendance de Jane - Rien n'est choquant
Avec les années 1988 Rien n'est choquant , Jane's Addiction a contribué à jeter les bases de ce qui allait devenir la révolution du rock alternatif des années 90. À parts égales lourdes et éthérées, il est normal que l'album contienne des titres de chansons comme Up the Beach et Ocean Size, car les morceaux jouent comme des vagues se brisant dans la mer. La voix céleste de Perry Farrell, ainsi que le jeu dynamique du guitariste Dave Navarro, du bassiste Eric Avery et du batteur Stephen Perkins, font Rien n'est choquant un album vraiment unique.
Alliant la puissance de Led Zeppelin à l'art-rock de The Velvet Underground sur des morceaux comme l'explosif Mountain Song avec sa magnifique ligne de basse, ou l'acoustique Jane's Says avec ses paroles déchirantes, Rien n'est choquant représente un moment décisif dans ce qui allait bientôt être un changement sismique dans la musique rock. — Spencer Kaufmann
99. Mucus Washington – Le ciel et la terre
En 2015, le saxophoniste Kamasi Washington a annoncé son arrivée auprès du grand public sur Kendrick Lamar. Pimper un papillon . Quelques mois plus tard, il a cimenté sa place à l'avant-garde du jazz avec ses débuts tout aussi importants sur un label majeur, L'épopée , largement développé avec ses compatriotes du collectif de jazz West Coast Get Down de Los Angeles. Mais c'était le suivi, celui de 2018 Paradis terre , qui reflète plus précisément les hauteurs qu'il peut atteindre depuis son espace de tête ascensionné.
Paradis terre évoque la grande échelle de son titre avec une vision globale du passé, du présent et du futur de ce monde et au-delà. Que Washington ressuscite le passé avec son interprétation des Hub-Tones de Freddie Hubbard, reprenant le thème du film de Bruce Lee Poings de fureur avec un contexte moderne, ou poussant le jazz dans une toute nouvelle direction sur le dark groove jam Street Fighter Mas, il est constamment en conversation avec une puissance supérieure la divinité varie juste du Tout-Puissant à son groupe all-star d'amis musiciens.
En ce qui concerne la présence croissante de la spiritualité dans sa musique, Conséquence Évaluation de la note A de a affirmé que si plus d'églises jouaient des chansons comme 'Journey' et 'Will You Sing' le dimanche, ces sanctuaires pourraient n'être que des places debout. — Bryan Kress
98. Lucinda Williams – Roues de voiture sur une route de gravier
Il n'y a pas eu de pénurie d'imitateurs de Lucinda Williams au fil des ans – des artistes espérant piquer ne serait-ce qu'une once de son courage, de sa grâce et de son courage et se l'approprier. Mais il n'y a qu'une seule Lucinda Williams, et sur son chef-d'œuvre récompensé aux Grammy Awards en 1998 Roues de voiture sur une route de gravier , elle démontre pourquoi elle est un talent inégalé.
Le natif de Lake Charles, en Louisiane, a une discographie tentaculaire, qui a débuté en 1979 avec Ramblin' sur mon esprit et plus récemment avec l'acerbe Bonnes âmes meilleurs anges, ce qui fait de la sélection d'un seul de ses albums comme le meilleur un peu une course folle. Cependant, Roues de voiture sur une route de gravier se démarque comme la marque de fabrique de l'Americana usée, un tourbillon sudiste de country, de blues, de folk et de rock 'n' roll.
C'est un disque chargé de riffs avec une longue liste de paroles faites sur mesure pour tatouer sur votre corps, servant également de feuille de route vers l'âme d'une nation compliquée. À travers 13 titres, du sexy 2 Kool 2 Be 4-Gotten au bisou au majeur de Joy, vous apprenez quelques choses sur le narrateur central du disque, mais il y a une leçon qui se démarque en particulier : vous ne Je ne baise pas avec Lucinda Williams. Si Williams est le poète officiel d'Americana, Roues de voiture sur une route de gravier est un filigrane supérieur du formulaire. — Spencer Dukoff
97. Fugazi – Répétiteur
Alors que Répétiteur est considéré comme le premier long métrage de Fugazi, il avait la lourde tâche de suivre les deux premiers EP légendaires du groupe (compilés ensemble comme 13 chansons ). Avec Répétiteur , cependant, le groupe D.C. a non seulement élevé sa propre barre, mais a fait exploser tout le genre punk hardcore.
Avec un clin d'œil à la précision des post-punkers Gang of Four, Répétiteur est la preuve d'un groupe jouant sans restriction. Fugazi n'a jamais eu à répondre aux poursuites en ce qui concerne la musique qu'ils ont enregistrée, grâce à l'intégralité de leur discographie publiée via le propre Dischord Records du chanteur-guitariste Ian MacKaye. Leur chimie est évidente, avec MacKaye et Guy Picciotto échangeant des voix sur des accords dissonants, et le bassiste Joe Lally et le batteur Brendan Canty fournissant une colonne vertébrale stable. Ces faits réunis confirment que le succès commercial de Répétiteur est un sous-produit des artistes eux-mêmes, pas le plan d'argent d'un label.
Avec des hymnes puissants comme Turnover et Blueprint, ainsi que des coupes remarquables comme la chanson titre et Sieve-Fisted Find, Répétiteur est une œuvre phare du groupe de bricolage ultime. — SK
96. N.W.A. – Tout droit sorti de Compton
Bien qu'ils doivent à Schoolly D et aux Park Side Killas d'être les pionniers du gangsta rap, N.W.A. peuvent dire avec fierté qu'ils ont apporté ce style de hip-hop ultra-accrocheur et ultra-violent au grand public. Sorti en 1988, Tout droit sorti de Compton a présenté ce qui allait devenir certains des plus grands noms du genre – Ice Cube, Eazy-E, Dr. Dre et MC Ren – racontant des histoires de vie dans l'un des quartiers les plus difficiles de Los Angeles sur des rythmes minimalistes et des scratchs fournis par DJ Yella et Arabian Prince.
Des coupes comme Fuck Tha Police et la chanson titre sont venues incarner le son de la côte ouest et ont ouvert une voie qui a conduit la musique rap à infiltrer tous les foyers américains. Même si vous veniez des coins les plus tranquilles de la banlieue, vous vous raidissiez, serriez les poings et prétendiez que vous étiez prêt pour un combat lorsque vous écoutiez Ice Cube ouvrir le disque en déclarant, Quand je suis appelé / Je reçois un scié/ Appuyez sur la gâchette/ Et les corps sont arrachés. N.W.A. te faisait mal, même si tu devais quand même baisser le volume quand ta mère était à la maison. — Deux rayons (2010)
95. Système d'un bas - Toxicité
Après s'être fait un nom avec leur premier album éponyme, System of a Down a atteint de nouveaux sommets avec son deuxième album, 2001's Toxicité . Mélodique, chaotique et carrément hypnotique, l'album a repoussé les frontières de la musique heavy. Le Chop Suey frénétique ! est devenu l'un des succès les plus bizarres de tous les temps à la radio rock (même avec Clear Channel le retirant temporairement des ondes après les attentats du 11 septembre), tandis que des chansons comme la chanson titre écrasante et les obsédantes Aerials ont également servi à propulser l'album vers le multi -statut de platine.
Sonnant comme aucun autre groupe avant eux, la voix d'opéra de Serj Tankian survole les compositions musicales complexes de Daron Malakian, avec Shavo Odadjian et John Dolmayan formant une section rythmique implacable. En tout, Toxicité se présente comme l'une des plus belles œuvres de musique lourde du 21e siècle, sinon de tous les temps. — SK
94. Wilco– Yankee Hotel Foxtrot
Il existe un univers alternatif où Wilco ne sort jamais Yankee Hotel Foxtrot , un album qui assurerait non seulement la place du groupe dans l'histoire du rock, mais modifierait fondamentalement le paysage de l'industrie musicale au tournant du nouveau millénaire. Oui, ce disque est inondé de mythologie et d'arrière-plan, mieux résumé dans celui de Sam Jones J'essaie de te briser le coeur , qui se trouve être l'un des meilleurs documentaires musicaux de tous les temps.
Mais YHF perdure comme un classique plus de 20 ans plus tard, moins à cause de cette tradition et plus parce que c'est une collection de chansons qui est tellement forte. Jeff Tweedy canalise toute son anxiété et sa conscience de soi dans des chansons comme Ashes of American Flags et I Am Trying to Break Your Heart, complétant ces morceaux plus lourds avec la chaleureuse nostalgie de Heavy Metal Drummer et la romance à cœur ouvert de Reservations, qui présente des paroles d'une directivité dévastatrice : J'ai des réserves sur tant de choses, mais pas sur toi.
Le génie de Yankee Hotel Foxtrot est la décision d'ajouter des couches de rétroaction et d'enregistrements sur le terrain, ainsi que du bruit et de la distorsion aux chansons folk, country et indie rock de Tweedy, se penchant sur l'expérimental à tel point que le disque a envoyé le label alt-country qui avait poursuivi le groupe depuis sa fondation. Du début à la fin, Yankee Hotel Foxtrot hypnotise et séduit, et parvient d'une manière ou d'une autre à ressembler à la fois à une chute amoureuse et à la fin du monde. C'est intouchable. — DAKOTA DU SUD.
93. CCM – fousexycool
Alors que le nouveau jack swing tombait en disgrâce au milieu des années 90 et que Lisa Left-Eye Lopez faisait face à des luttes personnelles qui l'éloignaient du groupe pendant de longues périodes, TLC a trouvé des moyens de faire mûrir leur son sur leur deuxième album. Se réunissant avec Babyface, Jermain Dupri et Dallas Austin tout en ajoutant des contributions de Sean Puffy Combs, Organized Noize et Chucky Thompson, ils ont fait monter les vibrations hip-hop et soul pour atteindre la perfection R&B sur fousexycool .
En même temps, ils ont contribué à stimuler un mouvement de positivité sexuelle qui évolue encore aujourd'hui en abordant la romance sous de nombreux angles : le rendez-vous galant de Creep, la douceur de Diggin' on You, le XXX de Red Light Special. Entre les deux, ils ont livré l'un des récits édifiants les plus durables de tous les temps dans Waterfalls. fousexycool a été la Album R&B de la décennie. Aujourd'hui, il témoigne d'une féminité confiante, une déclaration scellée dans le livre des records comme l'album le plus vendu d'un groupe de filles américaines et le premier à atteindre le statut de diamant. — B.Kaye
92. Les remplaçants - Qu'il en soit ainsi
Qui aurait pensé que quatre vingtenaires de Minneapolis pourraient produire quelque chose d'aussi intemporel, d'aussi vital et d'aussi vivant'https://consequence.net/2014/10/let-it-be-turns-30-celebrating-the-replacements-best-album/' > Qu'il en soit ainsi , personne ne l'a fait. Alors que tous les regards étaient tournés vers Prince à l'époque, Paul Westerberg, Tommy Stinson, Chris Mars et Bob Stinson créaient du rock and roll pur et sans mélange. Avec son cœur sur sa manche, Westerberg a versé son amour, sa perte et ses inhibitions dans chaque parole, note, accord et jappement.
Sur Androgynous, le premier coup de piano vous frappe les nerfs, vous tire les yeux, et au moment où Westerberg chante, Future outcasts, they don't last, you're right thereside him — in the dusty bar, into the late heures d'une nuit de semaine, et avec personne d'autre à retenir que la musique. C'est tout ce que The Replacements était censé être ici, ils le font dans chaque note, sur 11 pistes et pendant 33 minutes et 31 secondes. Ce n'est pas un album, c'est une bouée de sauvetage. —Michael Roffman (2010)
91. Le Qui - Qui est le suivant 
De tous les albums légendaires de cette liste, je doute que beaucoup d'entre eux aient pour origine un opéra rock abandonné. Beaucoup d'arrangements et de morceaux de Pete Townshend abandonnés Maison de Vie projet est devenu la base de Qui est le suivant , un album sans thème ni scénario sous-jacent. Ce sentiment de liberté a permis à The Who de se concentrer sur la création de grandes chansons individuelles plutôt que sur une histoire globale.
Le résultat est The Who qui grandit en public. Les chansons combinent l'énergie percutante du groupe dans sa jeunesse avec les éléments plus expérimentaux explorés sur Tommy . L'amélioration la plus notable est la voix de Roger Daltrey, atteignant des sommets auxquels on ne faisait que faire allusion dans le passé. Le solo de batterie de Keith Moon suivi du cri de Daltrey à la fin de Won’t Get Fooled Again reste l’un des plus grands moments du rock.
Alors que tout le monde connaît les singles, du clavier d'ouverture de Baba O'Riley à l'acoustique du bâtiment de Behind Blue Eyes, chaque chanson de ce disque est un succès potentiel. Écoutez le refrain explosif de Bargain. Découvrez une rare voix principale du bassiste John Entwistle sur My Wife. Avec des pistes comme celles-ci, il est facile de comprendre pourquoi Qui est le suivant a fait passer The Who d'un grand groupe des années 60 à une superpuissance du rock dans les années 70. — Joe Marville (2010)
90. Alanis Morissette– Petite pilule déchiquetée
Les toutes premières secondes du disque d'Alanis Morissette présentent un mélange de guitare électrique et d'harmonica, signalant dès le début qu'une nouvelle voix dans le rock alternatif avait quelque chose à dire. Et toute une génération écoutait : si vous étiez jeune, femme et vivante dans les années 1990, il y a de fortes chances que vous ne possédiez pas seulement cet album, mais que vous l'ayez mémorisé du début à la fin, car l'incroyable voix de Morisette et l'incroyable voix de Glen Ballard le travail de production se combine pour crier sur la colère et la confusion qui accompagnent le fait d'être en vie.
Des décennies avant que Taylor Swift ne se fâche lyriquement contre Jake Gyllenhaal pour une écharpe, Alanis rappelait à son ex le désordre qu'il avait laissé en partant, mais Petite pilule déchiquetée n'est pas seulement une question de rage: Hand in My Pocket délivre en fait un message quelque peu optimiste selon lequel littéralement tout ira bien, et même si Ironic n'a pas réussi à utiliser le mot correctement, il a quand même réussi à parler de scénarios sombres dans un puits, tout le monde été là-bas.
C'est un album rempli d'émotions difficiles à déballer, et qui a aidé au moins une adolescente, en l'écoutant en boucle, à se sentir un peu moins seule. — Liz Shannon Miller
89. Journée verte – Dookie
Green Day a fait irruption dans le courant dominant avec Dookie , parfaitement chronométré pour arriver sur les talons vêtus de Doc Martens de la scène grunge. Le groupe californien dirigé par Billie Joe Armstrong et complété par le bassiste Mike Dirnt et le batteur Tre Cool a trouvé le succès en fusionnant la nature anti-establishment de ses racines punk rock avec une apparence grunge, soutenue par des mélodies et des crochets pop accrocheurs. Explorant tout, des attaques de panique à la masturbation en passant par la bisexualité, les paroles ont touché un accord avec les fans de tous âges et ont positionné Green Day comme le groupe punk moderne pour les masses.
Sorti en 1994, le troisième et best-seller du groupe a connu un succès commercial, atteignant la deuxième place du classement Billboard 200 et remportant un Grammy pour le meilleur album de musique alternative. Le groupe a été accusé de s'être vendu par d'anciens adeptes de la scène punk underground, mais Dookie a trouvé un moyen de revigorer l'intérêt pour les légendes punk originales en servant de disque d'entrée de gamme et en donnant une voix aux adolescents rebelles qui n'avaient pas grand-chose contre quoi se rebeller au milieu des années 1990 relativement placides. — Kelly Quintanilla (2010)
88. Alice Coltrane– Voyage à Satchidananda
Essayez comme on pourrait, il est presque impossible de discuter d'Alice Coltrane sans évoquer son défunt mari. Bien que John Coltrane ait eu une influence indéniable sur elle et son travail, elle était déjà une artiste accomplie bien avant qu'ils ne se rencontrent et ne tombent amoureux. Comme Coltrane l'a dit un jour, John m'a non seulement appris à explorer, mais à jouer à fond et complètement.
Bien qu'il ne s'agisse pas du premier album que Coltrane a sorti en tant qu'artiste solo après la mort de son mari, Voyage à Satchidananda est sans doute sa plus vénérée. C'est une œuvre inspirée par la spiritualité qui se sent à la fois éthérée et brute, vous emmenant à travers la douce majesté poétique des nuages via la harpe et le piano de Coltrane, et le grain fin de la terre via le saxophone soprano de Pharoah Sanders.
Certains éléments, comme le bourdonnant tanpura et la harpe cristalline de Coltrane sur la chanson titre d'ouverture, ressortent bien en évidence. D'autres, comme la batterie de Rashied Ali et la basse de Cecil McBee, sont plus subtiles. Coltrane n'était en aucun cas la première artiste de jazz occidentale à intégrer des sonorités orientales dans son giron, mais ces pièces n'ont jamais l'impression d'attirer l'attention sur leurs contrastes. Comme pour toutes les œuvres d'ensemble accomplies, chaque partie brille individuellement et de manière cohérente.
Il suffit d'écouter l'interaction conversationnelle entre le piano et la basse sur Stopover Bombay ou comment le grattage frénétique de l'oud de Vishnu Wood se mélange au saxo cosmique de Sanders sur Isis et Osiris en direct. Les pièces s'emboîtent toutes, mais une grande partie de sa grandeur réside dans la façon dont elles refusent de se figer, Coltrane et ses collaborateurs embrassant la générosité tout en conservant leur autonomie. Voyage à Satchidananda est un album d'un autre monde qui n'a jamais l'impression d'être trop loin de notre royaume. — je suis Kenny
87. Tueur - Règne dans le sang
Alors que d'autres groupes de thrash metal des années 80 ont commencé à étendre leur son avec des fioritures techniques et progressives, Slayer a cherché à le distiller à son essence. Sorti en 1986, Règne dans le sang était maigre et méchant : seuls deux de ses 10 morceaux dépassent la barre des trois minutes - un témoignage de la précision et de la vitesse à laquelle ils ont été joués.
Avec le producteur et métalleux dédié Rick Rubin derrière les planches, le son quelque peu frêle du travail du groupe au début des années 80 avait disparu, présentant le double coup puissant du batteur Dave Lombardo et l'attaque jumelle de guitare de Jeff Hanneman et Kerry King en pure hi-fi. (sans les reverbs et effets qui datent de nombreux albums métal de l'époque).
Du cri perçant de Tom Araya qui lance Angel of Death aux dernières gouttes de Raining Blood, Slayer garde un rythme implacable qui se transforme en un flou cauchemardesque. Des sujets sinistres, tels que les réflexions lyriques de l'ancienne chanson sur le médecin nazi Josef Mengele et d'autres sujets sanglants, ne font qu'ajouter à l'atmosphère de mal qui se dégage de Règne dans le sang une fois que vous laissez tomber l'aiguille.
Les riffs atonaux de Hanneman engendrent les solos de guitare spastiques et improvisés de Kerry King, évoquant un sentiment de chaos et de morbidité. Un crédit à la production brute de Rubin, l'album sonne brutalement intense à ce jour, non marqué par le temps - un artefact sacré du métal extrême dans sa forme la plus ancienne. — Par Jon Hadus
86. Confiture de perles – Dix
Étiqueté par le parrain du grunge Kurt Cobain comme un effort commercial à guichets fermés, Dix a fini par devenir la rampe de lancement du rock alternatif des années 90. Né des cendres de Mother Love Bone, tragiquement éphémère, le guitariste Stone Gossard et le bassiste Jeff Ament ont ajouté des textures rock classiques au son de Seattle avec l'aide du guitariste Mike McCready (et d'une poignée de batteurs temporaires, dont Matt Cameron). Leur cinq pistes Stone Gossard Démos '91 finirait par devenir Dix – ils avaient juste besoin de quelqu'un pour donner une voix à leurs compositions.
Entre Eddie Vedder. Les grognements et les hurlements émotifs du leader (Why Go, Black) et le lyrisme sincèrement déchirant (Jeremy, Release) reflètent la férocité de la musique, multipliant sa puissance. La combinaison de cette présence vocale distinctement passionnée avec les riffs accrocheurs et les solos envolés de l'écriture de chansons de Gossard et Ament a établi une nouvelle norme pour ce que le rock signifiait dans la nouvelle décennie. Il avait toute l'angoisse et l'obscurité pour lesquelles le grunge était connu - à la fois dans ses paroles et son son lourd - mais avec une expansion prête pour le stade et un chanteur destiné au statut d'icône.
Pearl Jam eux-mêmes ont rarement égalé l'intensité de leurs débuts, sans parler de la plupart des rocks des trois décennies qui ont suivi. — B.Kaye
85. Tupac– Tous les yeux sur moi
Du commentaire social du toujours pertinent Brenda’s Got a Baby à la rage débridée de Hit ‘Em Up et tout le reste, la gamme de Tupac en tant que rappeur reste sans précédent. En entrant en studio pour Tous les yeux sur moi , cependant, Pac a libéré toutes ses frustrations refoulées pour créer un personnage de gangsta rap plus grand que nature après avoir été libéré de Rikers Island par son nouveau patron de Death Row, Suge Knight.
Personne n'allait représenter la côte ouest plus fort que lui, comme en témoigne l'agressivité sans faille d'Ambitionz Az a Ridah et les collaborations avec ses compagnons de label Dr. Dre (California Love) et Snoop Dogg (2 d'Amerikaz Most Wanted). Cependant, le double album a également offert à Pac une large place pour des succès de club comme How Do U Want It et l'introspection de I Ain't Mad at Cha – sans parler des vitrines de son groupe The Outlawz comme Thug Passion.
La production de Dre, DJ Pooh, DJ Quik et Johnny J complète Tous les yeux sur moi en offrant enfin à Pac une bande-son à la hauteur de ses talents. Bien que l'ode de 27 chansons et 133 minutes au style de vie des gangstas ne soit pas sans verrues, la passion brûlante de Pac élève l'album à un autre niveau. Un chef-d'œuvre n'a pas besoin d'être parfait pour résister à l'épreuve du temps, et Tous les yeux sur moi a fait exactement cela. — Eddie Fu
84. Écraser des citrouilles – Mélan Collie et la Tristesse Infinie
Avec tout le respect que je dois à 1979, qui dégage une poussière d'étoiles nostalgique ressentie profondément par une grande partie de la génération X, c'est peut-être la douzième meilleure chanson sur Mélan Collie et la Tristesse Infinie . Fermement dans le moule de Le mur ou le White Album (hello, Farewell and Goodnight), le troisième album des Smashing Pumpkins a représenté leur incontestable apogée devant un médicament - et induit par l'ego extinction (bien que Adorer et Machine ont leurs apologistes).
Le but des Pumpkins a toujours été la représentation de l'ensemble de la féminité et de la masculinité, d'une fantaisie fantasque à l'aggro brutalité - et un peu comme le célèbre double album des Beatles, Colley Mellon contient pratiquement tout le spectre de l'expérience humaine dans ses 28 titres. Même le tristement célèbre travail de mastering étouffé ne peut étouffer sa beauté : un autre album a-t-il sonné ? plus tranquille plus vous montez le volume'https://www.imdb.com/title/tt0701127/' >Homerpalooza, les hits tiennent plus que la route : nous nous souvenons tous de la première fois que nous avons entendu ce crier dans Bullet with Butterfly Wings.
Le meilleur de tous 
Chrissie Hynde, une expatriée américaine vivant à Londres, essayait de trouver sa place, à la fois dans l'industrie de la musique et dans le monde. Mais des démos impressionnantes l'ont amenée à se positionner comme une star en devenir. Quatre jours seulement avant la fin définitive des années 70, Hynde et les prétendants ont sorti leur premier album éponyme. Curieuse programmation mise à part, c'était un album trop impressionnant pour se perdre dans le remaniement post-vacances. Et bien sûr, le groupe remplissait des clubs peu de temps après.
Profilage Hynde et co. pour Pierre roulante en 1980, Kurt Loder décrit prétendants aussi subtilement surprenant. C'est approprié pour un album qui semble porter les signes extérieurs du punk (illustration d'album simple, riffs flous) mais révèle bientôt à quel point il a plus à offrir, à la fois artistiquement et émotionnellement. Même dans un terrain bondé, il y a quelque chose dans les premières mesures de Precious qui nous dit que quelque chose de spécial se passe ici.
Bien que ces riffs et remplissages puissent être reproduits avec suffisamment de pratique, il n'y a pas de copie de Hynde et du sentiment qu'elle transmet. Exprimant le triomphe, la rage, la tendresse, la peur et plus encore, Hynde vous met dans sa tête, rappelant des souvenirs douloureux et détaillant des récits incroyables comme si elle avait fait un livre audio ad hoc. Vous connaissez peut-être mieux Brass in Pocket, mais prétendants est, du début à la fin, un véritable chef-d'œuvre. — M. K.
82.Peter Gabriel- Alors
Les deux sorties de Peter Gabriel avant Alors , tous deux appelés Pierre-Gabriel , étaient des albums de rock progressif marquants. Dans ces efforts, Gabriel a utilisé le matériel d'enregistrement le plus récent pour composer avec des sons échantillonnés ainsi que de la musique et des rythmes de cultures qui n'avaient jamais été intégrées à la musique occidentale. Gabriel innovait à couper le souffle, et avec Alors , il a apporté ses découvertes sonores au grand public.
Alors est un album pop historique qui submerge les auditeurs avec des chansons émotionnelles et rythmées puisant au cœur de l'esprit humain. Par exemple, la chanson n ° 1 à jouer devant la fenêtre de quelqu'un, In Your Eyes: la voix et les paroles de Gabriel sont brutes et passionnées avec des images simples mais extrêmement puissantes. Les rythmes africains maintiennent la chanson vivante et éloignée du chemin séveux que suivent tant de chansons d'amour, et la voix envolée du chanteur sénégalais Youssou N'Dour transcende la langue avec une pure célébration.
Ce thème de la communication humaine, émotionnelle et sans limites, imprègne toutes les œuvres de Gabriel, mais est plus fort dans Alors , où il continue de toucher le plus de monde. Lorsque Gabriel crie, seul l'amour peut faire l'amour dans That Voice Again, même l'auditeur le plus cynique ne peut s'empêcher de ressentir un frisson de vérité.
Des morceaux comme Red Rain, Mercy Street et Don't Give Up (un duo avec Kate Bush) fonctionnent à l'opposé du spectre, discutant de la vulnérabilité, de la faiblesse et de la possibilité de continuer. Alors accueille même quelques morceaux avant-gardistes tels que l'énervant We Do What We're Told (Milgram's 37) et le morose This is the Picture (Excellent Birds), qui a été écrit et interprété avec Laurie Anderson.
Et bien sûr, tout le monde connaît Sledgehammer et son clip vidéo exceptionnel. Pas de concept grisant là-bas, juste du pur plaisir et une brillante réinterprétation de l'âme Motown. Selon votre état d'esprit au moment de l'écouter, Alors vous laissera chargé ou épuisé. En tout cas, c'est une bonne sensation. — Chat noir (2010)
81. Adèle – vingt-et-un
Le terme de réinitialisation culturelle est devenu galvaudé à un certain moment, mais s'il s'applique n'importe où dans cette conversation, c'est à Adele. vingt-et-un . Malgré les réalisations existantes du chanteur avant la sortie de l'album, le succès mondial de vingt-et-un était quelque chose d'une surprise qu'il était aussi rare alors qu'il le serait maintenant pour un album émotionnel, parfois sombre, blues et mélancolique non seulement de bien figurer dans les charts, mais de rester l'album le plus vendu pendant deux années consécutives. Le LP est crédité d'avoir aidé à revitaliser les ventes physiques pour une industrie qui passait au streaming en tête des classements des ventes dans plus de 30 pays, il est clair que 21 était quelque chose que nous devions tous tenir entre nos mains.
L'album est accompagné de ce qui peut maintenant être considéré comme deux des chansons les plus reconnaissables du siècle : Rolling in the Deep et Someone Like You. Deux extrêmes, du point de vue de la production, mais ce qu'ils ont en commun, c'est que l'incroyable voix d'Adele est au premier plan. Ajoutez à cela le vif Rumor Has It, le cathartique Set Fire to the Rain et les perçants Turning Tables, et Adele s'est révélée être une compositrice assez forte pour correspondre à sa voix indéniable. Les chansons immortalisées dans vingt-et-un sont si présents, si urgents et humains, car Adele Adkins a ouvert son cœur et a tout partagé avec nous.
L'album est hanté, à la fois par les fantômes d'un amour raté et par des souvenirs qui semblent disparaître dès qu'ils apparaissent. Malgré les détails personnels parsemés tout au long vingt-et-un , c'est un album déchirant qui a la capacité d'être universellement compris. — Marie Siroky
80. Erykah Badou - Bédouinisme
Le titre du premier album impeccable d'Erykah Badu sonne comme si elle essayait de lancer un mouvement. Et d'une certaine manière, elle l'était. Parler à Nouvelles MTV , Badu précise que Bédouinisme a été conçu pour vous faire planer. Pas un bourdonnement artificiel passager, mais un voyage global de l'esprit et de soi que nous ne pourrions probablement jamais commencer à imaginer, et non une religion… une expérience.
Cela peut sembler plutôt hyperbolique pour une collection de chansons d'une artiste qui sortait tout juste son premier album. Mais Badu ne promet ni le paradis ni la vérité divine, juste une expérience. Et Bédouinisme est enivrant. L'un des albums, sinon le plus vénéré, du sous-genre néo-soul, il est indéniablement révélateur de son époque tout en restant frais. Du hochet frissonnant de la batterie de Questlove sur le mélodramatique Other Side of the Game à la basse se pavanant sur le provocant Certainement, les sons et Badu se soutiennent magnifiquement.
Un accompagnement est également proposé à l'auditeur. Badu est un écrivain trop bon pour nourrir son message à la cuillère, ses luttes et la façon dont elle les raconte sont si compréhensibles sans tomber dans des platitudes vides et génériques. Tous les sentiments ne sont pas réglés à la fin, mais Bédouinisme fait valoir que le voyage vers les réponses aux plus grandes questions de la vie est tout aussi important que les réponses elles-mêmes. — M. K.
79. La police - Synchronicité
Pour tout groupe qui se demande comment faire une sortie, ne cherchez pas plus loin que Synchronicité . Le dernier album du groupe The Police est sorti en 1983 et, en quelque sorte, a inauguré le son de la décennie. La forte dépendance de l'album au synthé a montré au monde l'avenir, car le groupe a créé une musique vraiment aussi grande que sa réputation. Chaque bouffée que tu respires. Enroulé autour de ton doigt. Roi de la douleur. Synchronicité II. Ce sont des chansons faites pour les stades qui préfiguraient l'avenir de Sting.
Plutôt que de s'en tenir à leur manuel de reggae, de jazz et de punk, Synchronicité trouve le groupe créant son propre chemin et disant à tous les autres de venir s'ils le peuvent. C'est une décision audacieuse pour le plus grand groupe du monde non seulement de mettre fin à sa course au sommet de la montagne, mais aussi de changer tout ce que les gens savaient d'eux dans le processus.
La seule raison pour laquelle cela a fonctionné est que la musique était, et est toujours, indéniable. C'est drôle de voir comment un groupe qui a commencé dans le cadre de la nouvelle vague britannique et de la scène punk est devenu synonyme de musique pop. Les paroles ne sont pas plus accessibles que d'habitude, les sujets ne sont pas plus légers (voir Every Breath...), et la production n'est pas moins compliquée. Pourtant, en quelque sorte, Synchronicité on dirait qu'il a été fait pour MTV.
La voix de Sting montre également plus de profondeur ici, presque comme s'il se préparait pour sa carrière solo. Ce n'était pas prévu comme le dernier album du groupe, mais le leader - ainsi qu'une foule d'autres facteurs de la vie qui ont gêné l'harmonie du groupe - l'ont fait. Dans l'esprit de Sting, cet album était leur apogée et il n'y avait aucun moyen de le surpasser. Pas pour rien, mais il avait raison. — Marcus plus court
78. Billy Joel – L'étranger
Avec une bonne fréquence, vous pouvez trouver la chanson déterminante d'un artiste sur son meilleur album. Mais ce n'est pas le cas pour le Piano Man, Billy Joel. Ce morceau est venu sur son deuxième album, qu'il a suivi avec une paire de disques qui ont tellement sous-performé que Columbia a menacé de le laisser tomber. Peut-être que ce danger a donné à Joel une attitude rien de moins à perdre qu'il était si catégorique que son nouveau disque de groupe en tournée avec lui sur son prochain album que lorsque son premier choix pour le producteur, George Martin, a voulu utiliser des musiciens de studio, Joel l'a refusé.
Et cela s'est avéré être la bonne décision. Rejoints par le producteur Phil Ramone, Joel et son groupe se sont réunis L'étranger , qui se présente comme la meilleure collection de morceaux de la carrière du hitmaker. Les scènes d'un restaurant italien sont devenues aussi emblématiques que Piano Man, bien qu'elles n'aient jamais été publiées en tant que single. Just the Way You Are a remporté les Grammy Awards du disque et de la chanson de l'année, Movin' Out (Anthony's Song) est un classique certifié de la rébellion du rêve américain, et Only the Good Die Young reste aussi répandu pour les citations d'envoi de l'annuaire qu'il l'était quand Des groupes chrétiens ont exigé qu'il soit banni de la radio.
Il n'y a peut-être pas d'icône pop plus controversée dans la musique, mais je vous mets au défi d'écouter Vienna ou She's Always a Woman et de dire que Joel n'était pas à l'apogée de ses pouvoirs sur L'étranger . — B.Kaye
77. JAY-Z – L'album noir
Arrêtez-nous si vous avez déjà entendu ça : JAY-Z prenait sa retraite. Les passionnés de hip-hop savent que Shawn Carter avait toujours eu une sortie en tête depuis son premier album en 1996. Mais comme il le dit en 2003 L'album noir , l'attrait du jeu était trop difficile à ignorer.
Pendant la majeure partie des sept années entre 1996 et 2003, il a été l'une des figures dominantes du genre. Même sur son dernier album, cette soif de compétition est toujours palpable. PSA, What More Can I Say, Threats et 99 Problems mettent en valeur ses prouesses lyriques raffinées. Le 4 décembre et Moment of Clarity fournissent des aperçus personnels et professionnels (Vraiment, je veux rimer comme Common Sense/ mais j'ai fait 5 Mil, je ne rime plus comme Common depuis), tandis que Change Clothes et Dirt Off Your Shoulder illustrent une évolution dans faire des records à succès.
Change Clothes n'est pas une chanson que Jay aurait pu faire en 1998 ou 1999. Le contenu à lui seul montre à quel point il a grandi personnellement depuis l'époque de Big Pimpin. Malgré les chuchotements de superficialité à l'époque, ceux qui ont vraiment écouté ont tracé les changements de Jay tout au long de sa carrière, avec La Album noir debout comme l'apogée de cette métamorphose. Bien sûr, nous avons eu plus d'albums depuis et nous en aurons probablement un de plus lorsque vous aurez fini de lire ceci. Mais en 2003, lorsqu'une jeune génération de rappeurs dirigée par 50 Cent faisait des vagues et que Jay remplissait ses obligations contractuelles envers Def Jam tout en terminant son récit de carrière, c'était vraiment le moment idéal pour dire au revoir. — M. plus court
76. Les forgerons – La reine est morte
Si vous ne le saviez pas déjà, Morrissey a inventé la tristesse. D'accord, pas vraiment. Mais l'homme né Steven Patrick Morrissey et son gang hétéroclite d'hommes de la classe ouvrière des quartiers les plus sombres et les plus gris de Manchester appelés The Smiths ont longtemps cultivé une marque si spécifique d'être triste et solitaire avec leur musique qu'il est presque impossible de se souvenir que le chagrin existait avant de La reine est morte .
La combinaison des paroles ironiques et pleines d'esprit de Morrissey sur l'amour (et aussi son absence éternelle), le sentiment d'une solitude sans fin mais le manque de désir de jamais y remédier, et le jeu de guitare signature de Johnny Marr font de ce disque un classique durable. L'écriture, toujours mélodique avec la voix de baryton immédiatement reconnaissable de Morrissey, est intelligente et sombre et lugubre et autodérision – quelque chose que tous les paroliers post-Morrissey ont essayé et échoué à imiter.
Moz interpelle les critiques du groupe dans The Boy with the Thorn in His Side et Cemetry Gates, tandis que Never Had No One Ever et I Know It’s Over sont des odes nihilistes à la solitude perpétuelle. Ensuite, bien sûr, vient le joyau de la couronne de l'album : Il y a une lumière qui ne s'éteint jamais, où Morrissey ose expérimenter une approche optimiste rare de l'amour - mais qui, inévitablement, se termine toujours par la mort.
Pourtant, c'est l'hymne romantique par excellence : Et si un bus à impériale / S'écrase sur nous / Mourir à vos côtés / Est une façon si paradisiaque de mourir. Ne rêvons-nous pas tous d'un amour si total qu'on préfèrerait se faire renverser par un bus au lieu de continuer à vivre sans eux