Les 100 meilleures bandes originales de films de tous les temps

Note de l'éditeur : cet article a été initialement publié en novembre 2017.

Conséquence a entrepris de jeter un coup d'œil à ce qui fait exactement la qualité d'une bande originale de film, quelque chose qui semblait beaucoup plus facile sur le papier que dans l'exécution.

Nous avons trouvé de nombreuses bandes sonores qui excellaient en utilisant des chansons subtiles à la périphérie de scènes charnières, et nous sommes également tombés sur des films qui ont inséré la musique directement dans l'histoire, dans le cadre de l'intrigue ou même en tant que personnage lui-même. Nous sommes tombés sur ces films qui ont fait des succès à partir de chansons autrement obscures, tout en tenant compte des films qui ont détourné une chanson populaire et l'ont rendue indiscernable du film lui-même. Plus important encore, nous avons examiné les bandes sonores qui ont amélioré le film et vont de pair avec son ton et son histoire, vous donnant un meilleur aperçu des scènes cruciales et de la croissance du personnage.

Nous évité les comédies musicales, les films de groupe, les films de concert et les partitions à cet égard, en se concentrant uniquement sur la meilleure utilisation de la musique populaire dans les films , passant au peigne fin les films des années 60 jusqu'en 2017 jusqu'à ce que nous ayons notre choix. Comme pour toute liste de cette taille, il y aura forcément des désaccords ainsi que certaines bandes sonores qui auraient dû faire la coupe. Faites-nous savoir ce que vous pensez avoir manqué, mais en attendant, asseyez-vous et faites un voyage éclair à travers la musique au cinéma avec nos choix pour les 100 meilleures bandes sonores de films de tous les temps.

–Doug Nunnally
Auteur collaborateur

100. Junon (2007)

La comédie dramatique originale de Jason Reitman et Diablo Cody sur une adolescente inadaptée qui se retrouve enceinte de deux mois et décide d'avoir et d'adopter son bébé obtient beaucoup de choses. L'un d'eux est une bande sonore qui agit presque comme un monologue intérieur pour le personnage principal. Alors que Juno MacGuff peut creuser la puissance brute d'Iggy et de ses Stooges, avoir la voix douce et les paroles bizarres du vétérinaire indépendant Kimya Dawson flottant pendant les transitions ou lorsque Juno est confronté à un moment difficile semble être un bien meilleur match. Reitman a été tellement pris par la musique de Dawson qu'il lui a fait réenregistrer des instrumentaux et des fredonnements à utiliser pour les scènes et a chargé Mateo Messina d'utiliser son style comme base pour les parties marquées du film. Le résultat final est une bande originale de moments inoubliables comme Juno et Paulie en duo avec Everyone Else but You et ce dernier complétant sa routine matinale avec le brillant A Well Respected Man des Kinks. Magicien. -Matt Mélis

99. Batman pour toujours (Année mille neuf cents quatre-vingts-quinze)

Moins on en dit sur les films Batman de Joel Schumacher, mieux c'est, mais il faut féliciter la bande originale pour sa première tentative. Bien que seules quelques-unes de ses chansons apparaissent dans le film, la bande originale reprend la balle que Schumacher a lâchée avec désinvolture avec un mélange profond qui a aidé à illustrer la nature granuleuse de Batman, le culot de Robin, la dépravation maniaque de Riddler et la détresse fracturée de Two-Face – toutes choses effectivement absent dans la vision envahissante de Schumaker. Il n'atteint pas tout à fait la haute note de l'interprétation de Prince, mais grâce à la chanson puissante de Seal et au joyau surprenant de U2, il s'en rapproche définitivement. –Doug Nunnally

98. Le Karaté Kid (1984)

Voir, Le Karaté Kid est essentiellement Little Rocky. Vous avez à nouveau le réalisateur John G. Avildsen derrière la caméra et son copain Bill Conti a ajouté un autre score triomphal pour faire croire à tout le monde qu'un outsider pourrait atteindre le sommet. Mais, comme toute histoire reconditionnée pour un public plus jeune, elle doit être branchée, et c'est essentiellement ce qu'est cette bande-son – du moins pour le moment. Même alors, personne n'écoutait You're the Best de Joe Esposito sans chanter ironiquement (enfer, il a été rejeté par Rocky Balboa lui-même), mais ils se balançaient sur Gang of Four (Desire) ou Broken Edge (No Shelter). Et bien que Cruel Summer de Bananarama ait été laissé de côté, vous obtenez votre dose de New Wave avec Commuter (Young Hearts) et Baxter Robertson (Feel the Night), deux chansons qui vont légitimement bosseler votre âme. Cirer, cirer, les gens. –Michael Roffmann

97. Space Jam (mille neuf cent quatre vingt seize)

Voici quelque chose dont on ne parle pas beaucoup - la bande originale de Space Jam contenait cinq succès du Top 40, dont quatre étaient des succès du Top 10 qui ont fait de 1996 et 1997 une époque où vous ne pouviez pas échapper à cette bande originale si vous essayiez. Mais le véritable charme de cette bande-son réside en dehors des tubes, comme les superbes chansons dance/hip-hop de Robin S et Salt-N-Pepa, bien que tout ce que vous devez vraiment savoir sur la qualité de cette bande-son, c'est qu'elle contient Busta Rhymes, Coolio, LL Cool J et Method Man collaborent tous sur une chanson sur les méchants Monstars… et c'est absolument phénoménal. –Doug Nunnally

96. Angus (Année mille neuf cents quatre-vingts-quinze)

Si nous parlons de bandes sonores emblématiques de l'expérience du milieu des années 90 au lycée, peu sont aussi éprouvées que Angus . A l'époque, toute la scène grunge avait cédé la place à un son plus alternatif avec Green Day et Weezer en tête. Ne savez-vous pas qu'ils sont tous les deux en tête d'affiche de cette collection, avec la chanson commémorative de Green Day J.A.R. (Jason Andrew Relva) prévenant du LP et de Weezer’s You Gave Your Love to Me Softly assis en plein milieu entre Ash, Smoking Popes et The Muffs. Fait amusant: cette dernière chanson n'était pas destinée à la bande originale, car le leader Rivers Cuomo a initialement écrit une chanson pour le film intitulée Wanda (You're My Only Love), qui a été rejetée pour être une interprétation trop stricte du film . Ça va, comme Angus, ils ont fini par gagner, libérant Pinkerton l'année suivante. –Michael Roffmann

95. Elizabethtown (2005)

Le traité très décrié de Cameron Crowe en 2005 sur la gentillesse, le pardon, l'amour et Manic Pixie Dream Girls est peut-être devenu une chute en son temps, mais l'une de ses impressions les plus durables est sa bande-son, spécialement conçue pour amener l'ex-chaussure suicidaire d'Orlando Bloom. designer (yep) de retour du bord du gouffre. Grâce à un mélange de l'amour de Kirsten Dunst et d'une liste de lecture tentaculaire comprenant Tom Petty, Ryan Adams, My Morning Jacket, Lindsey Buckingham, Elton John, U2 et une foule d'autres noms familiers et mineurs, Crowe est le dieu bienveillant de son film. monde amoureux. Bloom est peut-être pris au piège dans un fiasco, mais la bande-son regarde droit vers un ciel plus clair. — Dominique Suzanne-Mayer

94. Times Square (1980)

Vous n'avez probablement jamais vu Times Square . Ne vous inquiétez pas. Peu de gens l'ont fait. Même maintenant, malgré sa renommée culte, le film de passage à l'âge adulte punk rock d'Allan Moyle est un joyau sous le radar. Ceux qui l'ont vu se souviennent probablement de sa bande-son révolutionnaire à double album qui présente un who's who des titans punk et new wave vers 1980, de Talking Heads à The Cure, Gary Numan à Patti Smith. Comme Été américain chaud et humide compositeur Craig Wedrennous a dit il y a des années, Times Square totalement fissuré [le métro] ouvert. C'était une introduction à notre musique, la musique de notre génération : le top 40 hard rock des débuts de MTV et la nouvelle vague qui se produisait entre 1979 et 1981. En d'autres termes, une capsule temporelle totalement essentielle. –Michael Roffmann

93. Voler la beauté (mille neuf cent quatre vingt seize)

Le scénariste et réalisateur italien Bernardo Bertolucci a atteint de sérieux sommets en termes de drame épique ( Le dernier empereur ) et sensualité provocante et controversée ( Dernier Tango à Paris ). Le 1996 avec Liv Tyler Voler la beauté peut ne pas avoir le cache culturel ou le sceau d'approbation critique de ses films les plus aimés, mais la mauvaise humeur atmosphérique et bleue de la bande originale remplit à elle seule le film d'un attrait enfumé qui transcende ses liens des années 90. Le film retrouve la mélancolie chez les Jumeaux Cocteau ainsi que Mozart, Mazzy Star et Nina Simone. Le film est hanté par la poésie (Lucy de Liv Tyler traite de la mort de sa mère poète), et la bande originale est également obsédée par la beauté des moments calmes et des émotions subtiles et chaloupées. Mais quand l'ambiance se brise, comme cela doit inévitablement, vous auriez du mal à trouver de meilleures explosions que la superstition de Stevie Wonder. -Lior Phillips

92. 500 jours d'été (2009)

500 jours d'été La bande-son de fonctionne comme un gel cohésif, rassemblant le récit décousu afin que vous puissiez absorber les scènes non linéaires avec une meilleure clarté et un meilleur contexte. Bien que nous sachions comment cela se termine, Sweet Disposition de The Temper Trap nous permet de vivre l'émerveillement amoureux de l'amour, tandis que You Make My Dreams Come True de Hall et Oates aide à illustrer ses fantasmes. Le meilleur cas pour que la musique comble le fossé est la scène des attentes par rapport à la réalité, habilement marquée par le héros de Regina Spektor. Vos yeux se précipitent entre les deux scènes qui se déroulent, mais c'est le ton déçu de la chanson que vous ne pouvez pas éviter, martelant le véritable impact de la scène et de la bande originale. –Doug Nunnally

91. Les garçons perdus (1987)

La pire chose à propos Les garçons perdus bande son est que vous devez imaginer Tim Capello torse nu quand on écoute I Still Believe. C'est une chanson ridicule qui fonctionne beaucoup mieux à l'écran, où nous pouvons réellement voir ses abdominaux musclés reflétant les flammes de la plage de Santa Carla, en Californie. Néanmoins, il y a beaucoup d'autres goodies à croquer sur cet album, qui peut être le méli-mélo le plus bizarre de musiciens réunis pour ce qui est ostensiblement un film alty des années 80. Par exemple, pourquoi Echo and the Bunnymen couvre-t-il The Doors’ People are Strange ? Ou pourquoi Roger Daltrey est-il coincé entre deux chansons d'INXS ? Peu importe, tout fonctionne, et ne me dites pas que vous n'avez jamais crié avec Gerard McMann sur Cry Little Sister. –Michael Roffmann

90. Scott Pilgrim Vs. Le monde (2010)

Si vous allez écrire un film avec une bataille de groupes en son cœur, vous feriez mieux d'être prêt à avoir une excellente bande son et certains auteurs-compositeurs de haut niveau à bord pour vous assurer que vous pouvez réellement créer un drame dans cette bataille décisive. Pour Scott Pilgrim Vs. le monde , Edgar Wright a constitué une super-équipe pour s'assurer que les deux chansons choisies et composé pour la bande originale serait assez fort pour littéralement affronter les concurrents. Les chansons du groupe de Scott, Sex Bob-Omb, ont été écrites par Beck, tandis que Broken Social Scene écrit et joue en tant que Crash and the Boys. Mais n'oublions pas de créditer les acteurs: Michael Cera, Mark Webber, Alison Pill, Johnny Simmons et Erik Knudsen ont tous joué des instruments et chanté pour la bande originale, tandis que Chris Murphy de Sloan a entraîné la guitare. Ajoutez à cela une bande de rock classique piétinant (T. Rex, The Rolling Stones) et une partition mettant en vedette le contributeur de Radiohead Nigel Godrich, Beck, Dan the Automator, Cornelius, et plus encore, et Scott Pèlerin a le pedigree impétueux pour retirer sa vanité musicale. -Lior Phillips

89. SOS Fantômes II (1989)

Coup de cœur : la plus grande chanson de Bobby Brown est On Our Own. Ce n'est pas de l'ironie. Ce n'est pas une hyperbole. C'est un fait froid et dur. La chanson thème de facto de SOS Fantômes II prospère à partir d'un glaçage frissonnant de New Jack swing, dont les goûts ne sonneraient pas aussi raffinés et aussi luxuriants jusqu'à ce que Michael Jackson se lance dans le genre quelques années plus tard en 1991 Dangereux . C'est une amélioration totale par rapport au thème original de Ray Parker Jr., qui fait également peau neuve sur cette bande originale avec un remix par le seul et unique Run-DMC. (Sans surprise, leur version est meilleure.) Ailleurs, vous êtes miné par un peu de hip-hop (Doug E. Fresh), du rock vétéran (Elton John, Glenn Frey) et beaucoup de soul (Howard Huntsberry), tous dont crie 1989. –Michael Roffmann

88. Tarte américaine (1999)

Ce que vous devez continuer à vous dire chaque fois que vous regardez Tarte américaine c'est que, oui, c'est un film d'un autre temps. Sinon, vous allez avoir un anévrisme à cause de toute l'homophobie rampante et du fait que sa scène la plus emblématique est la prédation sexuelle pure et simple. Pourtant, même si le film tient à peine, la bande originale le fait, débordant de toutes sortes d'alt-rock de la fin des années 90 qui seront probablement une grande source de nostalgie dans quelques années si ce n'est déjà fait. Ceux qui étaient également au lycée à cette époque regarderont probablement au loin le Sway de Bic Runga tout comme ils se tourneront la tête vers le Blink-182. Lavement de l'état gemme Mutt. Ce qui craint le plus dans cette bande originale, cependant, ce sont toutes les chansons qui ont été laissées de côté, de Duke Daniels’ Follow a Star à Harvey Danger’s Flagpole Sitta, au thème ostensible du film, James’ Laid. Tant pis. –Michael Roffmann

87. L'amour et le basket (2000)

Toutes les bonnes histoires d'amour développent leur propre bande-son, et la romance douce, enfumée et longue gestation entre Monica de Sanaa Lathan et Quincy d'Omar Epps dans Amour & Basket ne fait pas exception. Les personnages développent une attraction au fil des décennies, et tout en s'entraînant et en compétition. En revenant à Zapp et Chaka Khan et en allant jusqu'aux jams R&B contemporains comme Bilal's Soul Sista, la bande-son reflète les changements d'intensité et d'époque sans perdre le fil de la romance frustrée. Et quand ils découvrent enfin que leur chimie fonctionne hors du terrain et se met au travail, Maxwell’s This Woman’s Work fournit le fond doux et sensuel. —Adam Kivel

86. Le club du petit-déjeuner (1985)

Peu de cinéastes modernes, voire aucun, prennent la banalité de l'adolescence aussi au sérieux que l'écrivain-cinéaste John Hughes l'a fait autrefois. À quel point Hughes était-il engagé'idée qu'une retenue le samedi peut changer la façon dont un groupe de jeunes perçoit le monde. Nous voyons ces cinq étudiants différents - dont la plupart ne se parleraient jamais s'ils n'étaient pas enfermés ensemble dans une bibliothèque - courir dans les couloirs jusqu'à Wang Chung et danser ensemble sur un disque de Karla DeVito. Tout est idiot et incroyable, et pourtant à la fin du film, les cinq ont réussi à apprendre quelque chose qui change leur vie. Lorsque Judd Nelson traverse le terrain de football et pompe emblématiquement son poing sur Don't You (Forget About Me) de Simple Minds, il ne se contente pas de célébrer une autre détention terminée avec ou même sa nouvelle petite amie, c'est un geste qui rappelle même les plus sceptiques parmi nous que la vraie vie se passe parfois là où et quand on s'y attend le moins. C'est quelque chose que John Hughes ne savait que trop bien. -Matt Mélis

85. beauté américaine (2000)

Très peu de crises de la quarantaine semblent aussi exceptionnelles. Pour Lester Burnham, le protagoniste sardonique de Sam Mendes beauté américaine , le virage à gauche discordant de ce papa de banlieue par rapport à la normalité est toujours beau, convaincant et captivant. Il y a Bill Withers apportant l'âme sur Use Me, Elliott Smith faisant correspondre la tranquillité du compositeur Thomas Newman avec Because, et les jams FM de The Who (The Seeker) et Free (All Right Now). Les écarts générationnels entre tous les actes - euh, ça oscille de Bobby Darin et Peggy Lee à Gomez et les Eeels - semblent presque implicites, vu qu'il s'agit d'un film sur un vieil homme essayant d'avoir des relations sexuelles avec une jeune femme - grattez ça, un jeune adolescent. Pas étonnant que Kevin Spacey ait remporté l'Oscar ! –Michael Roffmann

84. La Darjeeling Limitée (2007)

Les chansons de Three Kinks se glissent entre les morceaux de Bollywood dans le cinquième film de Wes Anderson pour présenter la quête de vision de trois frères américains en train à travers la campagne indienne. Owen Wilson, Jason Schwartzman et Adrien Brody pleurent la perte de leur père et sont piégés dans des cycles de lutte familiale, mais trouvent une nouvelle paix ensemble. Le trio passe de la question de savoir où ils seront This Time Tomorrow, à la découverte que bien qu'ils soient des étrangers, ils ne font qu'un sur cette nouvelle route, à la prise en main de la lutte contre la figure de Powerman en appliquant toujours le statu quo qui avait gardé les séparer. Et au fur et à mesure du film, la musique indienne devient moins étrange et plus essentielle à leur relation. —Adam Kivel

83. Shaun des morts (2004)

Alors que Bébé conducteur a solidifié la capacité inégalée d'Edgar Wright à faire de la musique un personnage essentiel et un élément du récit, les fans de ses films précédents – et bravo à Espacé trop - expliquera avec empressement que cela a toujours été le cas. Le premier film de la trilogie Cornetto aux Trois Saveurs, Shaun des morts utilise à la fois la musique diégétique et la notation intelligente pour la comédie et effet dramatique. Pete Woodhead et Daniel Mudford ont créé la partition en l'honneur des bandes sonores classiques de zombies et d'horreur, des vibrations de John Carpenter à l'intensité des gobelins. Pendant ce temps, la chorégraphie de haute voltige de Bébé conducteur est précédée (entre autres scènes de la filmographie de Wright) par une scène brillante dans laquelle Shaun, Ed, Liz et co. combattez les zombies dans le Winchester qui avaient été attirés par un juke-box défectueux qui n'arrêtait pas de jouer Queen's Don't Stop Me Now. —Adam Kivel

82. Cowboy de minuit (1969)

Comme le film lui-même, la bande originale de Cowboy de minuit est une affaire ambitieuse avec une collection de chansons qui réunit des instrumentaux country folk et un éventail de styles rock, du son rock radiophonique (y compris une reprise d'une grande chanson ancienne de Warren Zevon) à des explorations psychiques plus étendues, ce qui aide explorez la psyché compliquée de son histoire. Le mélange aide également les partitions à résonner et prépare le terrain pour l'emblématique Everybody's Talkin ', menant aux premiers Grammys pour Harry Nilsson et le légendaire compositeur John Barry. –Doug Nunnally

81. Pistolet supérieur (1986)

En ce qui concerne les bandes originales de films des années 80, Pistolet supérieur Ce n'est peut-être pas le meilleur de la décennie, mais c'est absolument l'un des plus mémorables. Comme le suggère la pochette de l'album ci-dessus, c'est au moins là-haut avec le meilleur des meilleurs. Le film de Tony Scott est drapé d'une musique pop forte et presque constante, mais ce sont les deux classiques de la bande originale du film qui en sont venus à définir le film encore plus que toute l'action bien tournée et souvent homoérotique à portée de main n'aurait jamais pu l'être. Kenny Loggins a offert une nouvelle voie pour l'Amérique, sur l'autoroute de la zone de danger, où le pilote as de Tom Cruise vit et existe dans toutes ses activités. Et non seulement Take My Breath Away de Berlin a souligné chacune des nombreuses illustrations du film de la passion totalement hétéro impliquant l'instructeur du programme Cruise et Kelly McGillis, mais il est devenu l'une des plus grandes ballades de puissance de la décennie qui a défini la forme. Toi, tu lis ça maintenant ? Il y a comme 40% de chances que vous ayez été fait sur l'air de Take My Breath Away. Toutes nos félicitations. — Dominique Suzanne-Mayer

80. Mo' Better Blues (1990)

En tant que film, Mo' Better Blues n'est peut-être pas l'une des œuvres les plus remarquables de Spike Lee, mais elle présente incontestablement l'une de ses meilleures bandes sonores. Le travail du Branford Marsalis Quartet joue ici un rôle crucial (on pourrait même dire instrumental) dans le film de Lee, relatant l'ascension et la chute de Bleek de Denzel Washington avec des riffs de jazz animés et improvisés de toutes sortes. De plus, à quelle fréquence entendez-vous Washington, Gang Starr et Wesley Snipes jouer sur de la musique jazz ? Il accomplit ce que la plupart des bandes sonores aspirent à faire : il ajoute vraiment quelque chose de plus au film au-delà. –Dominick Suzanne Mayer

79. Marie Antoinette (2006)

L'interprétation incomprise et anachronique de Sofia Coppola en 2006 de la dernière reine de la France d'avant la Révolution parle le langage de la décadence comme seul un film de Coppola le pouvait. Pourtant, sa bande originale, qui a d'abord râlé certains auditeurs, est l'une des plus grandes du moment, un exercice de sonorités pop mélancoliques qui parvient à commenter une époque hédoniste en utilisant les sons d'une autre. New Order, Bow Wow Wow, The Radio Dept. et une foule d'autres artistes ajoutent aux décors luxuriants et ornés, glorifiant une ère d'excès alors même qu'elle touche à sa fin soudaine, violente et inévitable. C'est une bande-son pop pour la fin du monde comme beaucoup le savaient. –Dominick Suzanne Mayer

78. Où les choses sauvages sont (2009)

Huit ans plus tard, nous sommes toujours périodiquement déconcertés que Warner Bros. ait donné à Spike Jonze 100 millions de dollars d'argent de studio pour faire ce qui pourrait bien être l'un des films les plus tristes jamais destinés aux enfants. Encore Où les choses sauvages sont vaut chaque centime, un morceau sincèrement magique de fantaisie douloureuse et l'une des meilleures illustrations de la peur et de l'anxiété de l'enfance jamais mises sur les écrans de cinéma. La bande originale, de Karen O and the Kids, renforce le réalisme magique du long métrage de Jonze, traitant de mélodies simples et résonnantes qui transcendent le chant chanté par la voix d'O, qui donnent le même rythme angoissé à la ballade simple et clairsemée du film qu'elle a souvent fait pour même certains des travaux les plus mordants des Yeah Yeah Yeahs. C'est un mariage parfait entre l'artiste et l'art, un paysage sonore qui complète et ajoute au film déjà merveilleux auquel il est connecté. — Dominique Suzanne-Mayer

77. Boomerang (1990)

Un instantané parfait du R&B du début des années 90, Boomerang La bande originale de a capturé le changement de la garde musicale, montrant fièrement les merveilles du New Jack swing tout en prévisualisant l'âme expansive du hip hop qui allait venir. Le film et la bande originale ont eu un effet durable sur l'industrie, lançant essentiellement les carrières de Halle Berry et Toni Braxton, tout en donnant une large exposition à une longue liste d'artistes qui continueraient à remplir l'écran et les ondes des années 90 : Martin Lawrence, Boyz II Men, Tisha Campbell, TLC, Chris Rock, A Tribe Called Quest. –Doug Nunnally

76. Belle en rose (1986)

Belle en rose n'est peut-être pas toujours au sommet du classement de puissance de John Hughes, mais c'est toujours un top cinq constant, une histoire folle de jeune amour qui se présente comme l'un de ses films les plus drôles. Mais peut-être le plus mémorable, du moins pour certains, est la bande originale de la nouvelle vague du film, celle qui a fait de If You Leave d'OMD un hit en tête des charts et a présenté un certain nombre de jeunes Américains à New Order et Echo and the Bunnymen. C'est tout pour ne rien dire du titre Psychedelic Furs, le genre de chanson qui capture les années 80 dans tout son excès de pavot en l'espace de quelques minutes seulement. De plus, Duckie avait beaucoup plus à offrir que Blaine à long terme. Non, nous n'avons pas encore laissé tomber. –Dominick Suzanne Mayer

75. Intentions cruelles (1997)

Laissez-le à un film sur le chantage sexuel criard pour créer une grande tension cinématographique, quelque chose qu'il fait si bien qu'il a évité la préférence soft-core de ses suites sordides. La bande-son étonnamment riche du film contribue à construire cette subtile abstraction, une bande-son qui tourne principalement autour d'un genre qui a maîtrisé sans effort la capacité d'être à la fois vivant et méprisant : Britpop ! L'alt-rock de l'époque a le temps de briller ici aussi, en particulier le merveilleusement sombre Colorblind de Counting Crows, mais encore une fois, le film réussit sur le dos de Britpop, un fait solidement prouvé par la fin cathartique théâtrale parfaitement réglée sur la symphonie douce-amère de The Verve. –Doug Nunnally

74. Apocalypse maintenant (1979)

En repensant à Apocalypse maintenant , le film devient essentiellement une série de flashbacks terrifiants de Nam, en grande partie grâce à la bande originale. Le réalisateur Francis Ford Coppola et son frère Carmine ont arrangé la bande originale dans son ensemble, mais les expériences les plus mémorables surviennent en quelques instants : les soldats utilisant la chevauchée des Valkyries de Wagner lors de leur entrée en hélicoptère pour effrayer le Vietcong, un Américain dansant torse nu sur les Rolling Stones. Satisfaction alors que leur bateau descend la rivière et The Doors 'The End jouant sur un montage de forêts détruites et de champs de bataille carbonisés. Tout au long, ces chansons prétendument triomphantes et grandiloquentes montrent plutôt l'orgueil et la terreur de la guerre du Vietnam. La bande-son fait écho à ce sentiment ainsi qu'à la descente dans la folie, toute la vie s'écoulant de la musique dans une expérience horrible et puissante. —Adam Kivel

73. Spring Breakers (2012)

Le chef-d'œuvre pop-trash d'Harmony Korine réalise l'impensable auparavant : il transforme Skrillex en art de pointe. La chronique de Korine sur la jeunesse gaspillée (dans tous les sens) peut être sale, profane et plus qu'un peu abrasive, mais elle parle aussi le langage hédoniste et largement insipide de ses protagonistes insupportables. Pour donner le ton, Korine lave le film dans un excès EDM trash, un genre qu'il correspond visuellement par le plan, faisant ressortir la véritable résonance émotionnelle des souches de synthé sous With You, Friends alors même qu'il commente malicieusement à quel point toute la façade est vraiment dégoûtante est. Et bon sang, peu importe ce que vous pensez du film, nous parierions que vous n'avez pas oublié la folie sublime de James Franco chantant dans Everytime de Britney Spears alors que le film suit lui et un groupe de jeunes femmes capricieuses à travers une ficelle des cambriolages du nord de la Floride. –Dominick Suzanne Mayer

72. Style sauvage (1983)

Peu de régions auront un jour la prétention légitime de gérer véritablement le jeu hip-hop comme le faisait le South Bronx aux débuts du genre. Et tandis que Style sauvage n'est peut-être pas un classique du cinéma en soi, c'est l'une des pierres angulaires absolues de la culture rap au cinéma, ne serait-ce que pour sa bande originale emblématique, qui sert désormais de vitrine rétrospective des artistes et des sons de ce qui s'avérerait être l'un des les mouvements musicaux les plus importants du siècle. Il ne regorge peut-être pas de noms familiers, de la même manière que tant d'autres bandes sonores hip-hop de cette liste ont construit leur héritage, mais pour entendre Style sauvage est d'entendre la genèse de la musique rap telle que nous la connaissons aujourd'hui. Combien d'autres films peuvent prétendre à une telle chose ? –Dominick Suzanne Mayer

71. Le monde de Charlie (2012)

La musique joue un grand rôle dans Giroflée , solidifiant le lien du personnage et faisant avancer l'histoire. Les limites du film étant ce qu'elles sont, ce n'est pas aussi étoffé que dans le roman de Stephen Chbsoky, mais le film compense largement cela avec des scènes éblouissantes sur des chansons classiques tandis que les appariements plus subtils améliorent l'histoire. Cracker’s Low présente le groupe avec audace, tandis que New Order’s Temptation suit un Horreur rocheuse expérience et Pearly-Dewdrops’ Drops de Cocteau Twins montent magnifiquement l'adieu aigre-doux. Tous indiquent le sens profond de chaque scène, rendant cette scène climatique si percutante et la découverte de la chanson tunnel si triomphante. –Doug Nunnally

70. Les règles de l'attraction (2002)

Surprise, surprise : un film basé sur un livre de Bret Easton Ellis a un sens du ton et du son qui tue. Alors que Les règles de l'attraction pourrait être l'une des adaptations les moins annoncées du travail d'Ellis, il cloue également l'ennui alimenté par la drogue de sa narration mieux que la plupart. La bande sonore brumeuse est cruciale pour cela, qui parle d'un type très particulier d'expérience universitaire: articulée, érotique et totalement et entièrement cruelle après un certain temps. The Cure, Harry Nilsson, Love and Rockets et même Yaz soulignent ce qui doit être l'un des films pour adolescents / jeunes adultes les plus singulièrement uniques des années 2000, créant une bande-son qui parle de la mélancolie même sous les vies les plus hédonistes. –Dominick Suzanne Mayer

69. Zodiaque (2007)

Une partie de ce qui fait le thriller historique de David Fincher en 2007 Zodiaque si convaincante est sa capacité à transmettre le passage du temps. C'est un élément crucial d'une histoire qui traite de l'obsession et de ce que cette obsession fera à la psyché humaine. En plus des repères visuels, comme la construction fascinante de la ligne d'horizon de San Francisco, Fincher s'est également fortement appuyé sur une bande sonore qui s'étend sur plusieurs décennies et capture l'air du temps de chaque époque respective : la reprise mélancolique de Three Dog Night de Easy to Be Hard ajoute une juxtaposition paisible à une scène d'ouverture obsédante, Soul Sacrifice de Santana embellit l'agitation de la vie de journaliste, Inner City Blues (Makes Me Wanna Holler) de Marvin Gaye dit tout ce que le détective vaincu de Mark Ruffalo ne peut pas dire, et Hurdy Gurdy Man de Donovan est Goodbye Horses de ce film . Des trucs effrayants. –Michael Roffmann

68. chasseurs de fantômes (1984)

Au cours de la décennie des grands thèmes, Ray Parker Jr. a créé l'un des meilleurs. Si contagieux, la plupart ont acheté la bande originale de cette seule chanson, même s'ils auraient été agréablement surpris par le reste de la bande originale. Court mais mémorable, il présentait des coupes de choix de Thompson Twins et Laura Branigan, tous capables et désireux de filmer l'intrigue dans cette comédie animée. Le vrai joyau est cependant la magie de Mick Smiley, qui souligne sombrement un excellent montage, faisant passer le ton de l'ébat comique à la crise urgente … ou autant que vous le pouvez avec Bill Murray et Rick Moranis. –Doug Nunnally

67. État du jardin (2004)

À l'heure actuelle, la vie de nombreuses personnes a été changée par des blagues sarcastiques sur la façon dont les Shins vont changer leur vie, mais soyons honnêtes : quand État du jardin est sorti pour la première fois, ce moment portait un peu de magie. Et au-delà de New Slang, la bande-son correspond à la fois à la vision du monde mélancolique mais douce de Zach Braff et a tourné les oreilles de tant de téléspectateurs vers un pull confortable, une marque émotionnelle de rock indépendant et de folk. Only Living Boy de Simon et Garfunkel à New York fonctionne comme un noyau spirituel, une douceur solitaire qui imprègne grâce au chant de la chambre d'écho. À partir de là, des choix allant de Colin Hay à Thievery Corporation perpétuent cette humeur mélancolique à travers le temps, trouvant finalement un peu de vie dans la couverture Such Great Heights d'Iron and Wine. -Lior Phillips

66. Chiens de réservoir (1992)

de Quentin Tarantino Chiens de réservoir a bouleversé le genre du thriller policier à bien des égards : la violence extrême, la narration non linéaire, l'obsession de la culture pop. Cependant, l'utilisation inhabituelle de la musique par le jeune réalisateur n'a pas été aussi rapide à attirer l'attention. Ce n'est pas seulement que Tarantino sélectionne de vieilles chansons des années 70 pour un film policier des années 90, mais qu'il les intègre dans le film via une émission de radio. Grâce à K-Billy, nous avons une idée du monde dont ces hommes vivent en marge, nous voyons le célèbre titre d'ouverture de Little Green Bag et, dans l'une des scènes les plus sadiques du cinéma moderne, Stuck in the Middle avec vous les bandes sonores de M. Blonde torturant une maman policier. Détestez-le ou aimez-le, le mélange de culture pop de Tarantino, dans ce cas des vieux classiques, et de violence reste une esthétique unique en son genre. -Matt Mélis

65. Registres de l'Empire (Année mille neuf cents quatre-vingts-quinze)

Un film culte se déroulant dans un magasin de disques luttant pour son indépendance face à l'envahissement de la pop vomissante, Registres de l'Empire s'appuie fortement sur sa bande son pour établir sa crédibilité. Si les chansons du disque n'étaient pas suffisamment cool, l'équipe de production ressemblerait à tout un tas de Rex Mannings essayant de se faire connaître sur le marché des adolescents. Le tas de Better Than Ezra, les Cranberries, Toad the Wet Sprocket et Cracker des années 90 signifient certainement la fraîcheur d'un moment spécifique, tandis que des actes alors non signés comme The Martinis, Please et Coyote Shivers prêtent un peu de fraîcheur indie. Et, comme la cerise sur le gâteau Registres de l'Empire sundae, Liv Tyler chante des voix de sauvegarde sur la reprise du leader des Lemonheads Evan Dando de The Ballad of El Goodo de Big Star, qui ressemble maintenant à la nostalgie devient toute nostalgique. Être obsédé par le présent, essayer de se refroidir les uns les autres et trouver des joyaux cachés du passé semblent tout à fait appropriés pour un groupe d'enfants travaillant dans un magasin de disques, que ce soit dans les années 70, 90 ou aujourd'hui. -Lior Phillips

64. Société Menace II (1993)

Le gangsta rap est devenu l'un des mouvements culturels les plus incompris et décriés des années 90, sinon peut-être le plus. Le film des Hughes Brothers semble presque réactif aux peurs des banlieues blanches de l'époque de plusieurs façons, peignant un portrait authentique des conflits, de la vie et de la mort du centre-ville qui, à la fois, appelle à l'empathie et appelle également au manque de nécessité de les étrangers peuvent comprendre. La bande originale du film coupe après coupe fonctionne à travers les sons granuleux et agressifs de l'époque, et cela n'inclut même pas les utilisations du film d'Ice Cube, N.W.A et un certain nombre d'autres artistes non inclus dans l'album. La plupart de la bande originale telle qu'elle est est inondée du son de la côte ouest de l'époque, toute la production décontractée étant la colonne vertébrale de tant d'histoires de violence. C'est une pièce d'ambiance, et parfaitement en phase avec le film sur lequel elle se déroule. –Dominick Suzanne Mayer

63. Forrest Gump (1994)

Alors que bien sûr Tom Hanks est le noyau absolu de tout film dans lequel il joue, une grande partie du travail lourd dans Forrest Gump se fait par la bande sonore. Le film trouve la vie de Hanks 'Gump en quelque sorte au centre de l'histoire américaine, des débuts de Hound Dog à la manifestation psychédélique du Jefferson Airplane au Vietnam en passant par Motown et l'âme aux yeux bleus. En ayant autorisé suffisamment de musique pour créer une bande-son de 34 chansons, le réalisateur Robert Zemeckis a pu ancrer pleinement l'histoire fantaisiste et le personnage énigmatique dans un moment auquel tout le monde peut se connecter et se retrouver. En tant que bande-son en soi, ce n'est rien époustouflant (écouter l'affaire du double disque n'est pas loin de la station de radio des anciens), mais cela fonctionne parfaitement comme un outil narratif sans effort. —Adam Kivel

62. Les Tenenbaum royaux (2001)

La bande originale de chaque film de Wes Anderson marche sur une corde raide entre des moments ultra-emblématiques et une ligne tonale cohérente. Pour atteindre cette profondeur émotionnelle, Anderson revient fréquemment dans les années 60 et son partenariat de longue date avec Mark Mothersbaugh. Les Tenenbaum royaux trouve cet équilibre magistralement, adaptant ses tendances musicales passées à l'accent mis par le récit sur les générations d'une famille piégée dans les luttes de leur passé. L'amour interdit des frères et sœurs adoptés Margot et Richie se joue tout au long du film dans une paire de chansons de Nico : la douleur cyclique dans These Days et le potentiel d'un nouveau jour dans The Fairest of the Seasons. La tentative de suicide de Richie associée à une chanson d'Elliott Smith - qui s'est suicidé peu de temps après - redouble la tragédie. -Lior Phillips

61. Fêtards 24h/24 (2002)

Bien sûr, une bande originale d'un film sur un label indépendant influent sera géniale, mais ce qui rend celui-ci vraiment important, c'est à quel point il couvre la scène environnante. Oui, Joy Division, New Order et d'autres talents de Factory dominent la bande originale, mais cela met également en lumière d'autres groupes de Manchester, de A Boy Called Gerald à 808 State, ainsi que des pionniers étrangers qui ont contribué à la houle de Madchester. La meilleure qualité de la bande-son met cependant en valeur le rôle naissant du punk dans l'origine de l'acid house, aidant à combler le fossé entre ces deux sons extrêmement différents. –Doug Nunnally

60. Chaleur (Année mille neuf cents quatre-vingts-quinze)

Tout comme Cameron Crowe, Michael Mann a tendance à scrapper ses bandes sonores. À quelques exceptions près, ses films sont traditionnellement marqués par un paysage sonore sensuel d'artistes incroyablement divers, allant des compositeurs aux producteurs en passant par les groupes. Son magnum opus de 1995, Chaleur , est comme une capsule temporelle super élégante et plaquée d'acier de l'époque, mijotant avec une myriade de sons de cerveaux de pointe comme Elliot Goldenthal, The Kronos Quartet, Brian Eno, Lisa Gerrard et Moby. Notre DJ végétalien préféré livre le coup de poing émotionnel final avec God Moving Over the Face of the Waters, sans doute la composition instrumentale la plus élégante des années 90. Cependant, on ne dira jamais assez à quel point l'angoisse à six cordes de Terje Rypdal est cruciale pour l'histoire de McCauley de Robert De Niro, ses compositions maussades – en particulier, Mystery Man – descendent comme Jameson sur les rochers. –Michael Roffmann

59. Il a du jeu (1998)

La dernière fois que Spike Lee a troublé Public Enemy pour un hymne – à la fin des années 80 pour Faire la bonne chose - Chuck D et son équipe ont livré Fight the Power, sans doute la plus grande chanson hip-hop jamais mise en cire. Qu'il suffise de dire que Lee savait vers qui se tourner lorsqu'il était à la recherche de plus de magie pour Il a du jeu , son célèbre joint sur un basketteur hautement recruté au lycée et son père incarcéré. Non seulement Public Enemy sort sans doute son meilleur album depuis Peur d'une planète noire pour assumer la charge avec les pièces orchestrales du compositeur Aaron Copland, mais ils construisent également le thème du film autour de l'un des échantillons les plus inspirés de leur carrière, For What It's Worth. Ouais Boyeeee. -Matt Mélis

58. Le monde de Wayne (1992)

Transformer un sketch récurrent de huit minutes en un film théâtral de 90 minutes n'est pas une tâche facile. Et lorsque votre film met en vedette Wayne Campbell et Garth Algar, co-animateurs de l'émission d'accès au câble Aurora basée sur la musique de fin de soirée Le monde de Wayne – cette bande-son ferait mieux de gémir. Vous ne pouvez pas simplement lancer une douzaine de morceaux de The Shitty Beatles et l'appeler un jour, Chet. Pas de soucis là-bas, cependant, mon ami. La bande originale a grimpé jusqu'au n ° 1, et cela était en grande partie lié à des liens avec certaines des scènes les plus mémorables du film: en plus des performances de Crucial Taunt, il y avait des moments classiques comme le headbanging dans le Mirth Mobile pour Bohemian Rhapsody, Wayne fantasmant sur Cassandra (schwing) avec des lunettes Dream Weaver, et, peut-être le meilleur de tous, Garth bavardant avec une dame foxy chez Stan Mikita avec Jimi Hendrix comme petit ailier. Un autre film a-t-il créé des blagues plus indélébiles autour des classiques du rock que Le monde de Wayne ? Si c'est le cas, laissez-le monter et soyez compté digne. -Matt Mélis

57. Suicides vierges (1998)

Sofia Coppola a prouvé très tôt qu'elle n'était pas étrangère à la puissance de la bande originale. Son adaptation en 1999 du roman à succès de Jeffrey Eugenides, Les vierges suicidés , roulé avec une paire de pattes d'éléphant et un panier de morceaux qui n'étaient pas seulement groovy mais carrément cool. En plus de faire appel à la tenue française Air pour marquer l'image, Coppola a enchaîné un mélange éblouissant d'étourdissants spécifiques à l'époque, qui sont tous parfaits pour les après-midi ensoleillés passés à l'extérieur d'une maison de banlieue abusive. Entre The Hollies et Todd Rundgren, Al Green et ELO, il y a assez de poésie des années 70 ici pour graver sur quatre douzaines de pupitres d'école en bois. Remarquablement, les tarifs plus modernes d'Air et de Sloan s'intègrent facilement, comme Marty McFly. –Michael Roffmann

56. Jus (1992)

Alors que des films comme Au-dessus du bord a prospéré grâce à l'inclusion de Tupac Shakur sur la bande originale autant que son rôle principal, la bande originale de Jus sensations fortes malgré la non-inclusion de la légende. Mais lorsque vous avez une programmation avec Eric B. & Rakim, Big Daddy Kane, Too Short, et bien d'autres, vous pouvez vous contenter de faire jouer Tupac comme le visage de votre drame policier. La bande originale comprenait des singles en tête des charts de Naughty by Nature, Teddy Riley & Tammy Lucas et Aaron Hall – sans parler de noms chauds comme Salt-n-Pepa, EPMD et Cypress Hill. Directeur de la photographie de longue date de Spike Lee, le premier film d'Ernest Dickerson suit les luttes de quatre jeunes hommes noirs à Harlem, la violence des gangs les déchirant tragiquement. La bande-son suit leur croissance et les nuances de la destruction, donnant un sentiment d'appartenance incommensurablement puissant tandis que la tension roule à feu doux dans le New York du début des années 90. —Adam Kivel

55. Désemparés (Année mille neuf cents quatre-vingts-quinze)

Comment un film sur la jeunesse privilégiée de Beverly Hills a-t-il conservé son attrait pendant deux décennies ? La réponse réside dans la bande-son qui est très éloignée du faste et du glamour de la vie de Cher. La musique ici s'éloigne de cette pompe et de ce chic avec un son percutant et crasseux qui aide à donner de la profondeur à l'histoire, vous permettant de réaliser que ce n'est pas la célèbre Valley Girl Zappa brûlée. Lorsque Coolio joue lors d'une fête, peu importe que ce soit à Sun Valley - cela pourrait tout aussi bien être la maison autour du pâté de maisons, fondant cette histoire et attirant dans les écoles du monde entier. –Doug Nunnally

54. Temps rapides à Ridgemont High (1982)

À ce jour, nous avons déjà mentionné Cameron Crowe et comment il est un prodige en matière d'art de la bande originale. Eh bien, ses grands débuts sont arrivés en 1982 avec l'adaptation de son livre par Amy Heckerling, Temps rapides à Ridgemont High . Alors que la bande originale elle-même manque de la majorité des morceaux les plus emblématiques du film – Tom Petty, les Go-Gos, The Cars et Led Zeppelin – le gars était si bon dans son travail que vous le remarquez à peine. Comment pourriez-vous quand vous passez de Jackson Browne (Somebody's Baby) à The Ravyns (Raised on the Radio) à Stevie Nicks (Sleeping Angel) à Oingo Boingo (Goodbye, Goodbye). C'est une collection qui témoigne de la nature transitoire de cette époque, en particulier du passage du rock des années 70 à la nouvelle vague des années 80. Pour cette raison, la musique prend une personnalité qui correspond à la galerie de voyous du film de fainéants et de surfeurs. D'accord, Cameron ! –Michael Roffmann

53. Affaire risquée (1983)

Joël, comme beaucoup de jeunes hommes issus de familles aisées, a toute sa vie tracée pour lui par ses parents. Alors, quand ils partent pour un court voyage, il voit enfin une chance de dire ce qu'il fout et de se détendre un peu. Finalement, il échange ses rêves mouillés alimentés par Tangerine Dream et, dans l'un des moments les plus reconnaissables du film, danse en sous-vêtements avec Bob Seger pour quelque chose d'un peu plus risqué. À savoir des balades avec Jeff Beck dans la Porsche de papa et une relation chaud-froid / plaisir des affaires avec une prostituée qui veut faire l'amour dans un L Train chaque fois qu'elle entend In the Air Tonight de Phil Collins. Pourquoi le lycée n'était-il pas comme ça pour nous ? Je suppose qu'on a oublié de dire, c'est quoi ce bordel ! -Matt Mélis

52. Boyz dans le capot (1991)

En parlant de sons de rap définissant une décennie, Boyz dans le capot a introduit le genre de vision franche d'une autre Amérique qui allait engendrer d'innombrables contemporains et imitateurs dans la décennie qui a suivi. En tant que telles, les nombreuses autres bandes sonores axées sur le rap de cette liste doivent une certaine dette au succès retentissant de la bande originale du film de John Singleton. Avec un mélange de R&B et de hip-hop adaptés aux échantillons de 2 Live Crew, Hi-Five et Ice Cube dans un morceau attaché à sa performance de star, le Capot soundtrack est en tout point un produit, et un innovateur, de son temps. –Dominick Suzanne Mayer

51. Affranchis (1990)

La musique est intrinsèque à tous les films de Martin Scorcese, et Affranchis ne fait pas exception. Pour son chef-d'œuvre de la mafia de 1990, ol 'Marty et le co-scénariste Nicholas Pileggi ont écrit un certain nombre de chansons dans son scénario, filmant même certaines scènes avec la chanson respective jouée sur le plateau (voir : l'ensemble du montage sur Layla). Donc, il y a de fortes chances que si vous écoutez une piste hors de la bande originale, vous pouvez à peu près vous souvenir de ce qui s'est passé à l'écran. Pour certains, ce mariage strict du son à l'écran nuit souvent à l'expérience d'écoute globale, mais allez, il est difficile d'ignorer cette équipe : Tony Bennett, Aretha Franklin, Cream, Muddy Waters, Bobby Darin et The Shangri- Las. Pour paraphraser Stacks Edwards, cette bande-son vaut mieux que le sexe, bébé. –Michael Roffmann

cinquante. Soutenez-moi (1986)

L'adaptation par Rob Reiner de la longue nouvelle de Stephen King, The Body, mieux connue de millions de générations sous le nom de Soutenez-moi – est peut-être le plus grand film de passage à l'âge adulte de tous les temps. À un âge où les garçons peuvent à peine pisser correctement, quatre amis découvrent que les décisions qu'ils prennent maintenant et les amitiés qu'ils entretiennent très bien pourraient changer le cours de leur vie pour toujours. Au centre de ces amitiés se trouvent, bien sûr, les chansons que les garçons entendent à la radio et chantent ensemble. En ce sens, la bande-son n'identifie pas tant un moment précis qu'elle capture un moment de la vie où les garçons passent leurs journées d'été à traîner, à se bousculer, à se côtoyer et à chanter des chansons. Ensuite, bien sûr, aussi évident que cela puisse paraître, le classique soul indélébile de Ben E. King revient au générique de fin, rappelant aux téléspectateurs que les liens que nous partageons, même ceux que nous forgeons avant d'avoir l'âge de nous raser, peuvent faire toute la différence. dans nos vies. -Matt Mélis

49. Homme chauve-souris (1989)

Il y avait beaucoup de musiciens qui auraient pu égaler l'énergie maniaque du Joker de Jack Nicholson dans la chanson, mais peu auraient pu consciencieusement explorer cette manie avec l'équilibre et la promesse de Prince. Avec Batdance, Prince vous emmène dans l'esprit décousu et hystérique de Joker, tandis que d'autres chansons rendent son chaos décontracté excitant et divertissant, contribuant à en faire la meilleure version du méchant emblématique depuis près de 20 ans. Prince a également aidé Batman à prendre vie, facilitant la transition de l'impression au film et donnant au justicier couleur et profondeur dans le monde sombre et sombre de Tim Burton. –Doug Nunnally

48. Le grand Lebowski (1998)

Pour beaucoup de gens de mon âge, l'épopée désormais classique des câpres / bowling des frères Coen qui a mal tourné a vraiment lié les années 90 ensemble. Et la bande originale a fait de même pour le film. Les Coens ont attribué des indices musicaux à toutes les parties en désaccord sur la disparition de Bunny Lebowski (par exemple, le thème de The Dude est souvent CCR), et le super producteur T Bone Burnett a obtenu les droits sur de nombreuses chansons qui donnent au film son néon-bowling unique. - esthétique allée de Mars : The Man in Me de Bob Dylan, Dead Flowers de Townes Van Zandt et The Gipsy Kings sur Hotel California. Et, bien sûr, nulle part nous ne voyons mieux émerger le style signature de Coen que pendant le rêve de bowling pornographique du Dude, la musique et la condition gracieuseté de M. Kenny Rogers. Ouais, ouais, wooahh, ouais. -Matt Mélis

47. Ventre (1998)

Après avoir réalisé certains des plus grands vidéoclips hip-hop du milieu à la fin des années 90, Hype Williams a eu la chance de réaliser un long métrage grâce à la production de Def Jam en 1998, Ventre . Et bien qu'il n'ait pas vraiment recueilli de critiques élogieuses, la direction néo-noire fait du véhicule Nas et DMX une montre intéressante, mais vraiment, la bande-son étoilée est la raison de rester. Jay-Z, le Wu-Tang Clan et D'Angelo y contribuent tous, tout comme les stars du film dans Grand Finale, un morceau particulièrement gagnant avec Method Man et Ja Rule. La production granuleuse et sombre correspond à la violence des gangs, chacune des nombreuses stars soutenant son équipe et luttant pour la domination dans un monde rempli de drogue et d'armes à feu. —Adam Kivel

46. Autoroute perdue (1997)

Même avant de sortir ses propres albums et d'organiser son propre festival, David Lynch n'était pas étranger au pouvoir d'une bonne chanson. Autoroute perdue est une intersection fascinante d'Hollywood noir, de bruit industriel, de salon et de jazz - trouvant le coin sombre de chacun, un peu comme le Los Angeles des années 90 du film incarne les coins les plus sombres de l'esprit de ses habitants. I'm Deranged de David Bowie dans le générique d'ouverture et de clôture donne au film une structure enveloppée désorientante que l'électronique insistante joue sombrement sur des images frénétiques et incessantes de la ligne médiane d'une autoroute éclairée uniquement par des phares. Les paroles paranoïaques (I'm deranged/ Down, down, down) présentent le monde crasseux et mystique de Lynch - et restent malheureusement jusqu'au bout, enveloppant le jazz extrême du protagoniste Fred Madison (Bill Pullman), la partition classique d'Angelo Badalamenti, et les airs grinçants de Marilyn Manson, Rammstein et Trent Reznor. —Adam Kivel

Quatre cinq. Perdu dans la traduction (2002)

Se sentir perdu est crucial pour le succès de Perdu dans la traduction , et Sofia Coppola est un génie pour trouver des moyens de mettre cela en valeur à travers le dialogue et le décor, tous deux amplifiés avec audace par la musique soigneusement choisie. Banalisant davantage les conversations superficielles ou rendant les rues de Tokyo encore plus lumineuses, la musique est là pour augmenter le clivage ressenti par les personnages. La musique à elle seule peut susciter le même sentiment, la mélancolie palpitante d'Air rendant difficile le tissage à travers la brume nébuleuse de My Bloody Valentine, laissant également l'auditeur lui-même se perdre. –Doug Nunnally

44. Danse sale (1987)

Danse sale aurait pu se reposer uniquement sur des chansons alors contemporaines tout en offrant une bande-son fantastique pour renforcer son histoire de passage à l'âge adulte. Utilisant des géants du doo-wop, des légendes du R&B et des pionniers du rock, il a capturé la croissance expansive de la musique populaire, les utilisant pour marquer des danses bondées et des pratiques intimes. Mais Danse sale va encore plus loin en incorporant de la musique moderne qui fait partie intégrante de la fondation du film comme les chansons classiques elles-mêmes, et c'est cette inclusion qui propulse cette bande-son de très bonne à carrément incroyable. En fin de compte, c'est ce mélange moderne et classique qui aide à faire ressortir l'attrait intemporel et durable de ce film classique. –Doug Nunnally

43. Chasse de bonne volonté (1997)

Weepy est un mot pour décrire la bande originale de Gus Van Sant Chasse de bonne volonté . Remplie de jams larmoyants du regretté Elliott Smith, la bande-son sombre sonne comme si quelqu'un avait mis en bouteille toute la mélancolie de l'automne et l'avait mise sur un seul disque. Des chansons comme Angeles, No Name #3, Say Yes et Between the Bars offrent une distillation géniale du grand barde, mais ensuite vous arrivez à son morceau original nominé aux Oscars Miss Misery et vous réalisez pourquoi le monde s'est en quelque sorte arrêté quand il est décédé. en 2003. C'est une chanson aussi émouvante et magnifique que n'importe quoi Âme en caoutchouc , et lorsque vous l'associez au film, cela amène le drame à un tout autre niveau. Mélangez des sélections appropriées de The Waterboys, Luscious Jackson, The Dandy Warhols, Al Green et des morceaux de partition de Danny Elfman, qui culminait à cette époque, et, bien, que diriez-vous des pommes dem. –Michael Roffmann

42. Le brillant (1980)

Il n'y a pas si longtemps, nous avons classé Stanley Kubrick Le brillant commele deuxième film le plus effrayant de tous les temps. Mais voici le problème, au moins 65% de cette décision se résume à la seule bande-son. Parce que sans cela, le film ne serait tout simplement pas aussi choquant et énervant psychologiquement. Bien sûr, la performance de Jack Nicholson est terrifiante et ces jumeaux hanteront à jamais nos rêves, mais c'est la façon dont Kubrick et l'éditeur de musique Gordon Stainforth tissent dans cette tapisserie de bruit qui le rend si hors de ce monde. Semblable à 2001 : l'odyssée de l'espace , toute la bande-son est cette collection excentrique de musique d'art moderniste, dont la plupart étaient des habitués de Kubrick - des gens comme György Ligeti, Wendy Carlos et Krzysztof Penderecki. Même prise hors contexte, la musique est effrayante, sonnant comme si elle venait des entrailles d'une grotte dans laquelle personne ne devrait jamais aller faire de la spéléologie. –Michael Roffmann

41. 8 miles (2002)

Ouais, la plupart des gens se souviennent du 8 miles bande originale pour une raison très précise : Lose Yourself, la chanson qui a non seulement valu à Marshall Mathers un Academy Award, mais qui est également devenue l'un des plus grands succès de rap de l'époque des premières années. Et bien qu'il s'agisse presque certainement de la piste la plus remarquable de l'album, la bande originale du film dans son ensemble sert de fenêtre sur ce qui était chaud à l'époque. Dans ce cas, à savoir, c'est n'importe qui dont Eminem a dit qu'il était chaud. Obie Trice, D12 et 50 Cent ont tous amplement le temps de mettre en évidence l'imprimatur de Shady Records, tandis que Rakim et Nas arrivent de l'extérieur pour ajouter au monde du film. Le film et la bande originale sont probablement encore meilleurs que dans vos souvenirs, et c'est un artefact d'une époque où Eminem dirigeait vraiment le jeu de rap. –Dominick Suzanne Mayer

40. Chasseur d'hommes (1986)

Avec Miami Vice dans son rétroviseur, Michael Mann a apporté toutes ses fioritures post-modernes et sons new wave à son adaptation de 1986 du thriller de sang-froid de Thomas Harris, Dragon Rouge . Même aujourd'hui, Chasseur d'hommes est un spectacle vertigineux, de la sélection de plans parfaite à la palette de couleurs méditative en passant par la sélection maussade de sons des années 80 sans un morceau à revendre. Entre les instrumentaux new age torrides de Shriekback et The Reds se trouvent des joyaux pop sous-estimés comme Strong As I Am de The Prime Movers et Heartbeat des années 80 de Red 7. Bien sûr, rien ne frappe plus fort que Graham’s Theme de Michel Rubini, un autre clin d’œil subtil de Mann à Comfortably Numb de Pink Floyd (voir : Craig Safran’s Confrontation for Voleur ). Soupir, le nombre de nuits que cet écrivain a passées à regarder son appartement de Chicago en écoutant cette chanson est… embarrassant. –Michael Roffmann

39. Libre de toute attache (1984)

La bande originale de l'opus de Kevin Bacon de 1984 sur la déstabilisation des valeurs des petites villes par le pouvoir de danses furieuses et souvent scandaleuses nous a tous encouragés à enlever nos chaussures du dimanche, un affront à Dieu s'il en était un. Pourtant, les sentiments quasi-sataniques de Kenny Loggins n'étaient pas la seule source de succès pour les hits du Libre de toute attache la bande-son est au ras d'eux. Deniece Williams a encouragé les Reagan des années 80 à l'entendre pour le garçon à ses côtés, Bonnie Tyler a tenu pour un héros, et bon sang, Footloose n'était même pas le seul single à succès de Loggins sur l'album. Maintenant allez. Tout le monde a coupé pied. –Dominick Suzanne Mayer

38. Attendre pour expirer (Année mille neuf cents quatre-vingts-quinze)

Attendre pour expirer n'était pas seulement un succès retentissant d'une bande originale. C'était l'un des plus gros albums de 1995, période . Le travail de Babyface sur Exhale (Shoop Shoop) et la légion d'autres succès de l'album ont été nominés pour un Grammy de l'album de l'année, pratiquement du jamais vu pour une compilation. Mais c'est à quel point la bande originale du film était géniale et durablement puissante. Avec un hymne honnête à Dieu après le suivant, le Exhaler la bande-son a transcendé le support des bandes sonores de plusieurs façons. C'est devenu un moment culturel majeur, une affirmation pour les femmes de leur humanité, de leur pouvoir et de leur force. C'est le rare classique qui n'est pas seulement un classique à cause du film auquel il est attaché, mais un classique à part entière. –Dominick Suzanne Mayer

37. Donnie Darko (2001)

Construire la mélancolie surnaturelle de Donnie Darko à travers la chanson n'est pas une tâche facile, même lorsqu'il est armé de classiques gothiques comme Echo et The Killing Moon des Bunnymen. Mais les débuts de Richard Kelly visent les étoiles, ou plus exactement le trou noir, et atterrissent assez près grâce aux chansons maussades des années 80 et aux instrumentaux saisissants. Bien sûr, rien ne vend tout à fait le destin imminent de l'histoire comme la version d'une beauté envoûtante de Mad World qui a fait de Gary Jules et Michael Andrews des ajouts instantanés à toute liste de lecture de couvertures respectable. Clouant la tristesse sans espoir du film, son inclusion dans la scène de clôture reste le moment le plus mémorable du film séminal. –Doug Nunnally

36. Le chanteur de mariage (1998)

L'envoi d'Adam Sandler dans les années 80 est beaucoup plus respecté ces jours-ci qu'il ne l'était lors de sa première sortie en salles à la fin des années 90. La bande-son en deux volumes fait de même, et les deux méritent les éloges. C'est une chose de charger une bande-son avec des chansons des années 80 que nous n'oublierons jamais (même si nous le voulons), mais Sandler et son équipe ne se contentaient pas d'autoriser un tas de chansons pour nous transporter à cette époque. Ils recherchaient de la musique qu'ils pourraient transformer en comédie. Des chansons sont donc incluses pour mettre en place des gags d'époque, préfigurer des camées et, bien sûr, être hilarants lorsque Sandler et le groupe les trottent lors de mariages ou lors de bat mitzvah occasionnelles. Le film vous demande de venir pour la musique et de rester pour les blagues que la musique inspire. Enfer, 20 ans plus tard, je le perds toujours à chaque fois que George fait irruption dans Culture Club's Do You Really Want to Hurt Me pour la deuxième fois consécutive. Ils commencent à allumer George là-dedans ! -Matt Mélis

35. La Vie Aquatique avec Steve Zissou (2004)

Alors que les bandes sonores de Wes Anderson se délectent généralement de nostalgie, elles le font avec des intentions intelligentes. Pour La vie aquatique , il utilise toutes les bonnes coupes classiques pour toucher la corde sensible : Search and Destroy d'Iggy et les Stooges pour une action pleine d'adrénaline, The Way I Feel Inside des Zombies pour le chagrin et Gut Feeling de Devo (via, bien sûr, Mark Mothersbaugh, collaborateur fréquent d'Anderson) pour le feu de l'action. Mais il associe cela en partie à travers l'œil de l'étranger : Seu Jorge en tant que membre de l'équipage Pelé dos Santos, errant sur le pont avec une guitare et chantant des reprises portugaises de Bowie. Et lorsque l'équipage du Belafonte trouve enfin la créature inconnaissable qu'ils chassaient au plus profond de l'océan, la beauté surréaliste, extrême et quasi extraterrestre de Starálfur de Sigur Rós est le match parfait, un voyage dans un cadeau mystique de la nostalgie. -Lior Phillips

3. 4. Aventureland (2008)

Un film comme, disons, Simple a utilisé la scène musicale de Seattle à cette époque pour capturer quelque chose sur les relations au début des années 90. Aventureland , cependant, réussit le défi de dire quelque chose d'intemporel sur le jeune amour, en partie, en empruntant la musique d'un autre temps. Le risque inhérent, bien sûr, consiste à remplir une bande-son avec des chansons bien-aimées de l'époque (principalement des années 80 dans ce cas) qui correspondent à l'époque mais pas au film. Heureusement, le réalisateur Greg Motolla évite le piège et capture des moments magnifiques : James et Em conduisant des autos tamponneuses à The Cure's Just Like Heaven, échappant à une nuit agitée pour Pale Blue Eyes de Lou Reed, et James trempé et attendant Em à Manhattan en tant que Mats ' Insatisfait se défait. Il ne s'agit pas d'être nostalgique de l'époque du film. Ces moments vous rendent nostalgique de cette période de votre vie – quelle que soit la date. -Matt Mélis

33. Le corbeau (1994)

Si vous avez grandi dans les années 90, il y a de fortes chances qu'il y ait une copie de Le corbeau bande sonore assis dans votre placard quelque part. Tout le monde possédait ce putain de truc, sinon pour le fait qu'ils avaient une phase gothique de courte durée, puis pour la simple nouveauté de vouloir entendre certains des rock alternatifs les plus populaires de l'époque. Mais, au crédit de tout le monde, la bande-son était vraiment bonne, et vous savez quoi, c'est quand même sacrément génial. Le Curé Corbeau -endetted Burn reste l'un des hymnes les plus sous-estimés de Robert Smith, Nine Inch Nails améliore en quelque sorte Dead Souls de Joy Division, Snakedriver est comme le pic JAMC, et Violent Femmes n'a jamais semblé plus opprimé que sur Color Me Once. Ailleurs, vous obtenez un hit FM de Stone Temple Pilots et une face B au choix de Rage Against the Machine. Merde, s'il s'agissait d'une programmation de festival, vous dépoussiéreriez votre cuir. –Michael Roffmann

32. Jackie Brown (1997)

Avec deux films célèbres sous sa cravate fine, les fans de Quentin Tarantino savaient que les choix musicaux de leur réalisateur préféré étaient tout sauf arbitraires. Pour Jackie Brown , son hommage aux films de blaxploitation des années 70 (qui incluaient un coup de pouce à la carrière de Pam Grier), Tarantino s'est tourné vers ces mêmes films pour s'inspirer, leur empruntant des chansons et même la partition du film café . En conséquence, le film a une cohésion musicale et une authenticité indéniables alors que Jackie traverse l'aéroport jusqu'à Across 110th Street de Bobby Womack, Ordell compose la Strawberry Letter 23 des frères Johnson avant de sortir les poubelles et, plus mémorable, Max commence à tomber amoureux Jackie sur Didn't I (Blow Your Mind This Time) par The Delfonics. L'amour de Tarantino pour les genres cinématographiques et la musique négligés s'unissent ici pour nous époustoufler totalement. -Matt Mélis

31. Haute fidélité (2000)

En parcourant simplement la liste des pistes, vous pouvez dire que le réalisateur Stephen Frears a travaillé sans relâche sur la bande originale de ce film sur les fans de musique obsessionnels, peut-être même plus que Rob Gordon sur son propre classement personnel. Mais ce travail acharné porte ses fruits, avec des chansons de tous les horizons musicaux qui maintiennent le film fidèle à l'esprit des personnages de Nick Hornby et montrent la gamme d'un véritable fanatique de la musique, prouvant qu'ils sont tout aussi à l'aise avec les disques de Smog et Stereolab. car ce sont des chansons de Bob Dylan et The Kinks. Pas les hits cependant, à la manière d'un vrai snob. –Doug Nunnally

30. Le grand frisson (1983)

Dites ce que vous voulez du film - C'est nul! C'est la nostalgie des baby-boomers ! C'est réellement plutôt sexiste ! – mais la bande originale de Lawrence Kasdan Le grand frisson est un diamant. En fait, c'est un gros morceau de platine, qui a été certifié 6x au fil des ans, notamment parce qu'il est surchargé de succès intemporels qui apparaissent littéralement sur toutes les listes de lecture de mariage. Sérieusement, vous n'avez pas besoin de regarder Tom Berenger se foutre la jambe en essayant de sauter dans une décapotable ou de vous asseoir à travers les larmes de douche de Glenn Close pour savoir qu'un album rempli des morceaux incontournables de tous les célèbres artistes Motown des années 60 et les années 70 sonneront bien. C'est ce qu'est cette bande-son - un des plus grands succès d'une époque - et même si nous aimerions dire que nous ne passerions jamais à côté de regarder Jeff Goldblum essayer de manière effrayante d'avoir des relations sexuelles avec qui il peut… nous préférerions de loin mettre cela en marche et sauter le drame maudlin. Fait amusant : Kevin Costner est en fait à l'intérieur de la piste 10. –Michael Roffmann

29. gardiens de la Galaxie (2014)

Bien que la bande originale contienne quelques surprises, beaucoup étaient déjà des incontournables d'autres films. Mais ce n'est pas le sujet. Le film ne tente de détourner aucune de ces chansons (à l'exception de Redbone). Au lieu de cela, il utilise la musique pour montrer l'esprit de l'histoire. Bien sûr, les choix de chansons n'ont pas toujours de sens - mais Gardiens non plus. C'est une collection méli-mélo de super-héros qui ne vont certainement pas ensemble, et on peut en dire autant de la musique qui inclut inexplicablement The Jackson 5, The Runaways et 10cc. N'essayez pas de lui donner un sens. Perdez-vous simplement dans sa joie classique. –Doug Nunnally

28. Presque connu (2000)

Presque connu est honnête dans sa représentation du rock tel qu'il était. La scène était un rêve qui s'estompait lentement dans l'éther, et alors que les musiciens ne pouvaient pas le voir, l'idéaliste William Miller le pouvait, même s'il ne le laissa jamais briser sa fascination aux yeux écarquillés. Les chansons que Cameron Crowe a choisies ici reflètent ce voyage, de l'utilisation d'un instrumental contemplatif par The Who à une introspection poignante par Cat Stevens. Bien sûr, Presque connu L'esprit et le thème se sentent mieux représentés dans Tiny Dancer, donnant à l'histoire une sortie indispensable, à la bande originale une ancre solide et aux fans une scène inoubliable. –Doug Nunnally

27. Soirées boogie (1997)

Les choses deviennent sombres chez Paul Thomas Anderson Soirées boogie . Très sombre. Pourtant, c'est un film que vous ne voulez pas exactement quitter, ne serait-ce que parce que c'est un monde vivant rempli de tant de personnages vivants. Pourtant, une partie de l'attrait réside dans le fait que, pour la grande majorité du film, il s'agit d'une longue fête des années 70 qui commence à l'aube et se termine par un coup de feu. Pour évoquer cette magie vintage, Anderson s'est fortement appuyé sur une bande-son aussi inspirée que son casting, passant d'un groove disco à la prochaine ballade soul. En fait, il y a tellement de musique dans le film qu'ils ont dû laisser tomber deux volumes, et vous ne pouvez pas vous tromper avec l'un ou l'autre. Le premier écarte les majors (Marvin Gaye, The Beach Boys), tandis que le second va à l'essentiel (Elvin Bishop, Hot Chocolate). Ensemble, ils capturent les hauts et les bas de l'histoire, le tout sans en manquer un seul battement. Régalez-vous de ça. –Michael Roffmann

26. Dans la nature (2007)

Taper Eddie Vedder pour faire la musique pour Dans la nature était une décision intelligente de la part de Sean Penn. Le gars a un lien avec la nature qui a imprégné la musique de Pearl Jam depuis le tout début. Il n'était donc pas surprenant que les airs d'accompagnement de l'adaptation par Penn du roman du même nom de Jon Krakauer soient liés à l'histoire de feu Christopher McCandless d'une manière que même Emile Hirsch ne pouvait imaginer. Des chansons comme No Ceiling, Society et le Golden Globe Guaranteed canalisent la majesté de notre grand monde et son pouvoir sans prétention à l'intérieur, trouvant Vedder à son plus primitif. Aujourd'hui, les chansons continuent d'apparaître de temps en temps dans les setlists de Pearl Jam, preuve supplémentaire de sa nature durable. –Michael Roffmann

25. Velours bleu (1986)

Bien qu'il s'agisse de son quatrième long métrage, Velours bleu ressemble souvent aux débuts de David Lynch. Cela a préparé le terrain pour tout ce qui suivrait de l'auteur: ses méditations rêveuses sur le bien contre le mal, son admiration divine pour l'esthétique des années 50 et son sacré travail avec le compositeur Angelo Badalamenti et la chanteuse Julee Cruise. Ce dernier a conduit à l'une de ses plus grandes constructions lynchiennes, une partition qui célèbre la 15e symphonie de Chostakovitch, tout en rendant hommage à la pop vintage d'antan, avec des inclusions de Roy Orbison, Bill Doggett et Ketty Lester. Mais ensuite, il y a Mysteries of Love, la ballade moderne montante de Cruise, qui envoie tout dans cet état lucide. C'est l'idée, bien que le petit poisson que Lynch ait attrapé il y a des années, le petit poisson qui n'arrête pas de nager. –Michael Roffmann

24. Conduire (2010)

Conduire n'a pas fait connaître des artistes comme Riz Ortolani et Cliff Martinez, mais cela n'a jamais été l'intention. La musique qui compose la bande-son de ce conte granuleux et clairsemé n'est pas là pour se démarquer, elle est là pour vous aider à vous immerger dans le monde du Driver, où chaque mot est soigneusement choisi et chaque mouvement stratégiquement planifié. Même les chansons qui peuvent se suffire à elles-mêmes, notamment A Real Hero de College, semblent incomplètes lorsqu'elles sont vues hors contexte. Tout comme le pilote, vous devez avoir ces mélodies de synthé organiques illuminant la route sombre qu'il parcourt. –Doug Nunnally

23. Pulp Fiction (1994)

Quentin Tarantino a toujours été un accro de la culture pop avec une appréciation du passé. En conséquence, presque tous ses films font deux choses : donner à un acteur en déclin une chance de retrouver son fanfaron et réutiliser des chansons plus anciennes que beaucoup ont peut-être oubliées ou n'ont pas entendues depuis des années. Dans Pulp Fiction , son creusement de caisse donne des couples cinématographiques désormais classiques de Vincent et Mia se tordant sur You Never Can Tell de Chuck Berry chez Jack Rabbit Slim's et Mia faisant plus tard une overdose tout en se balançant sur la brillante couverture de Neil Diamond's Girl, You'll Be a Woman Soon d'Urge Overkill . Mais rien ne vaut la renaissance par Tarantino de la version 1962 du roi de la guitare surf Dick Dale sur Miserlou. Alors que les pièces instrumentales criardes, flamboyantes et crasseuses au sommet du générique d'ouverture du film, le public sait déjà qu'il est dans un film de foule pas comme les autres. C'est mieux que de se poudrer le nez. -Matt Mélis

22. Easy Rider (1969)

Il y avait beaucoup de super bandes sonores avant Easy Rider est sorti en 1969, mais aucun n'a changé la façon dont les gens percevaient la musique dans les films. Ce n'était pas que le film comportait des chansons de Dylan, Hendrix, The Band, The Byrds et Steppenwolf – un ensemble contemporain qui reste l'un des meilleurs absolus – c'est que les chansons ont toutes contribué à faire avancer l'histoire, révélant à la fois les malheurs et joies de la contre-culture. Alors que les films d'aujourd'hui peuvent chercher à reproduire l'esprit de la musique rock ou les chansons qu'ils sélectionnent, Easy Rider était cet esprit, à son apogée absolue. –Doug Nunnally

vingt-et-un. Une orange mécanique (1971)

Un élément narratif critique de Une orange mécanique est le conditionnement du personnage principal du film contre la musique même utilisée dans sa bande originale. Dans l'adaptation par Stanley Kubrick du roman d'Anthony Burgess, le violeur ultra-violent Alex DeLarge est traité avec un conditionnement psychologique intense et controversé, obligé de regarder des scènes interminables de violence et de sexe tout en écoutant son compositeur préféré, Beethoven. À partir de ce moment, tout soupçon de cette musique est attaché dans son esprit à la douleur et à la souffrance, le rendant physiquement malade. Pour évoquer ce même sentiment chez les téléspectateurs, Kubrick rebondit entre des extraits de la Neuvième Symphonie et des réarrangements déformés et vocodés de la pionnière de l'électronique Wendy Carlos, ainsi que d'autres compositions de Carlos. Sa musique électronique s'est avérée si inspirante et appréciée que Carlos a sorti une deuxième version de la bande originale. Il est si rare qu'une bande sonore devienne l'intrigue, mais ce film brise toutes les barrières et examine les pièces. —Adam Kivel

vingt. Bébé conducteur (2017)

Chorégraphier une scène élaborée sur une chanson énergique n'a rien de nouveau, mais ce est nouveau est la façon dont Edgar Wright a encadré les scènes dans le contexte de chaque chanson avec Bébé conducteur . Les chansons de Queen, The Damned et Jon Spencer sont toutes entièrement présentées, vous permettant de profiter du spectacle complet d'une comédie musicale de poursuite en voiture. Entre le chaos arrangé, le film réveille également d'autres joyaux, et même ceux qui sont un peu coupés en morceaux obtiennent leur juste dû avec des danses d'appartement et des tapotements de pieds à la laverie. Avec cette attention et ces détails, ce n'est pas la bande-son pour les nerds de la musique - c'est la bande-son qui crée les nerds de la musique. –Doug Nunnally

19. Roméo et Juliette (1997)

Il existe d'innombrables itérations et adaptations de chaque pièce de Shakespeare, et Roméo et Juliette peut être le plus souvent mis à jour. Il faut quelque chose de spécial pour se démarquer du lot, et peu importe le film, Baz Luhrmann a toujours beaucoup de quelque chose de spécial. Pour son interprétation de la plus célèbre histoire d'amour ratée, l'auteur australien a augmenté la saturation et jeté une poignée de tendances musicales dramatiques dans un mixeur. Peu de réalisateurs tenteraient même de rassembler le rock bizarre des Butthole Surfers, le Radiohead de mauvaise humeur, les Cardigans accrocheurs et la néo-soul de Des'ree, mais alors Roméo + Juliette tout enfilé à travers une superstructure orchestrale. Chaque seconde est importante et, d'une manière ou d'une autre, elle ne faiblit jamais sous son propre poids. -Lior Phillips

18. Retour vers le futur (1985)

De par sa conception seule, Retour vers le futur est peut-être la bande son parfaite. Hit des chansons originales, des classiques emblématiques, une partition mémorable et quelques faces B de musiciens légendaires, il a à peu près tout en seulement 10 chansons. La bande-son va cependant au-delà de cela, cooptant un classique et un autre grand de tous les temps dans une scène vraiment inoubliable qui rend presque la partition et les succès originaux secondaires. Vous ne me croyez pas ? Il suffit de jouer le riff de Johnny B. Goode dans un espace public et de compter le temps qu'il faut à quelqu'un pour crier Marvin Berry tout en mimant un téléphone avec le plus grand sourire imaginable. –Doug Nunnally

17. Vendredi (Année mille neuf cents quatre-vingts-quinze)

Les années 90 regorgeaient de bandes sonores hip-hop / R&B de qualité, et l'une des plus réussies fusionnait les deux, capturant le son de l'époque et le revivalisme d'échantillonnage de l'époque avec une clarté parfaite. La chanson titre d'Ice Cube et Keep Their Heads Ringin de Dr. Dre auraient pu être les succès de Vendredi La bande-son double platine, mais l'album dans son ensemble illustre la tension tranquille du film entre l'esthétique décontractée et les réalités plus granuleuses de South Central. Le premier obtient les Isley Brothers, Rick James, Rose Royce et Bootsy Collins, le second, Scarface et E-A-Ski et Cypress Hill. C'est une bande-son douce, lapidée et périodiquement agressive pour s'adapter à un film traitant de la même chose. –Dominick Suzanne Mayer

16. Ciel vanille (2001)

De temps en temps, une bande-son vient élever un film à son véritable potentiel. Entrez dans l'esprit psychologique de Cameron Crowe en 2001 Ciel vanille . . . . Son point de vue sur Alexander Amenabar Ouvre les yeux trouve Tom Cruise courir dans New York avec sa plus grande coupe de cheveux de tous les temps. Derrière lui, cependant, se trouve ce qui peut être décrit comme une courtepointe en satin de musique alternative révolutionnaire – non, vraiment. À une époque où la musique grand public était à son pire, Crowe est venu avec une collection de nouveaux morceaux certifiés, de Enfant A -ère Radiohead à Bon départ -était Sigur Rosto Révéler -era R.E.M., qui ont tous contribué à définir notre monde post-11 septembre. Tout comme le film lui-même, la bande-son fonctionne comme un rêve, dérivant sans but d'une piste excentrique à l'autre, et si vous n'êtes pas un désordre chaud au moment où Nancy Wilson gratte son Elevator Beat, votre âme doit être figée dans un haut -tech lab science et il est temps d'ouvrir tes putains d'yeux. –Michael Roffmann

quinze. Le jour de congé de Ferris Bueller (1986)

Pendant 30 ans (!!!), les fans se sont vu refuser une bande originale officielle, une grosse gaffe du légendaire John Hughes qui a fait que les gens se sont contentés de mixtapes floues et de listes de lecture maladroites. Qui voudrait toutes ces chansons, a-t-il dit Sucette en 2003, soulignant l'absurdité de jumeler Wayne Newton avec Yello. Et ils ne vont pas ensemble, mais ils soutiennent l'attrait diversifié de Ferris. Pour rendre justice au mec juste, vous avez besoin d'une playlist juste, et ne cherchez pas plus loin qu'une bande-son qui saute en toute confiance de Guerres des étoiles à The Smiths, tout comme Ferris sautant d'un restaurant haut de gamme à un défilé massif. –Doug Nunnally

14. Rushmore (1997)

Le réalisateur Wes Anderson avait initialement prévu que toute la bande originale Rushmore être des chansons de Kinks. Il avait à l'origine envisagé Max comme un étudiant d'échange britannique vocal et en colère et pensait que The Kinks serait le type de groupe de rock qu'un enfant qui porte un blazer pourrait écouter. Cependant, au fur et à mesure que le projet évoluait et devenait moins pervers, ce qui est devenu clair, c'est l'étonnante capacité d'Anderson à associer des sons et des images populaires : l'annuaire de Max (The Creation's Making Time), le boulet de canon ivre d'Herman contre The Kinks lors de la fête d'anniversaire de ses enfants, ou Max et Herman échangeant des coups avec The Who live. Ajoutez les intermèdes instrumentaux originaux de Mark Mothersbaugh de Devo et la chanson la plus appropriée à jouer au générique de clôture – Ooh La La de Faces – et vous avez un Rushmore une bande-son digne, eh bien, du Rushmore des bandes-son. -Matt Mélis

13. Faire la bonne chose (1989)

Alors que le score de Bill Lee pèse lourd sur une grande partie de la journée d'été punitive dans le classique de Spike Lee en 1989, il est même difficile de penser à cette année sans la suivre rapidement comme l'a fait Public Enemy : le numéro d'un autre été. Fight the Power de PE s'harmonise parfaitement avec la danse d'ouverture féroce et agonisante de Rosie Perez, tout aussi bien qu'elle le fait plus tard, en tant qu'expression condamnée de l'indignation existentielle de Radio Raheem. Mais même si la bande originale de Lee ferait cette liste sur la seule force de l'utilisation emblématique de cette chanson, le reste de l'album a un intérêt égal à donner le ton brumeux et imbibé de sueur du film. Une grande partie du film est réglée sur un mélange de la partition susmentionnée et de R&B fluide, le genre de choses que Mister Senor Love Daddy jouerait pour garder les habitants de Bed-Stuy calmes et cool même les pires jours possibles. –Dominick Suzanne Mayer

12. Simple (1992)

Avec une formation en journalisme rock, il n'est pas surprenant que les bandes sonores du cinéaste Cameron Crowe jouent souvent comme des mixtapes faites par un gars avec un meilleur goût musical que la plupart. Cependant, pour Crowe, il ne s'agit pas seulement de charger des bandes sonores avec du matériel tueur qui peut également changer d'unité. Simple trouve le réalisateur pré-célèbre utilisant la scène grunge du début des années 90 de Seattle non seulement comme toile de fond ou pierre de touche de la culture pop, mais comme un monde réaliste dans lequel immerger ses personnages. Et à travers une bande-son remplie d'icônes grunge comme Pearl Jam et Soundgarden et mettant en vedette du matériel original de Paul Westerberg, Crowe puise dans une époque, mais bien plus important encore, dans le sentiment de cette époque. Bien que de meilleures comédies romantiques que Simple peut arriver, aucun, grâce à la bande originale de Crowe, ne capturera mieux ce que l'on ressentait à la recherche de la personne parfaite au début des années 90. -Matt Mélis

Onze. Arbre (1971)

Arbre était super. Arbre était énorme. Arbre tout changé. Lorsque Richard Roundtree est sorti pour la première fois au son du thème primé aux Oscars d'Isaac Hayes, ce fut un moment décisif dans l'histoire d'Hollywood. En tant que l'un des premiers films de blaxploitation - sans parler de l'un des plus réussis du genre - Arbre fait sauter la porte grande ouverte à la culture noire dans le cinéma américain. Bien sûr, une grande partie de ce succès est due au score révolutionnaire de Hayes, qui a non seulement dépassé le Billboard 200, mais a également justifié deux singles du Top 40 dans Theme from Arbre et faites votre truc. C'est assez drôle à l'origine, Hayes avait espéré jouer le personnage principal à l'écran, mais en réalité, il l'a joué partout ailleurs. Après tout, c'est son travail qui a amené Shaft dans les clubs, les bars et les maisons à travers l'Amérique, créant un mouvement qui a survécu aux 100 minutes du film. Aujourd'hui, son travail continue de vivre, qu'il s'agisse de repères musicaux de retour ou d'échantillonnage libéral d'artistes de tous les genres, du rock au rap en passant par l'EDM. Tout le monde le creuse. –Michael Roffmann

dix. 2001 : L'odyssée de l'espace (1968)

de Stanley Kubrick 2001 : L'odyssée de l'espace se positionne toujours dans un mystique, une place dans la chronologie interstellaire dans laquelle les origines du monde et le futur lointain ne font qu'un. Pour obtenir ce sentiment intemporel, le réalisateur légendaire a opté pour un mélange de compositeurs classiques qui se sentent à la fois majestueux et majestueux mais aussi vertigineux et désorientant. L'utilisation de Also Sprach Zarathustra du compositeur allemand Richard Strauss lors d'une scène de singes apprenant à utiliser des outils nuance leur découverte avec une majesté puissante, quoique inquiétante, mais se fond également parfaitement dans une scène d'une station spatiale, quelque chose que nous lierions plus traditionnellement à une telle musique classique dramatique. Peut-être plus particulièrement, Kubrick a synchronisé une scène d'amarrage d'un vaisseau spatial avec Le Danube bleu, une valse de Johann Strauss, tandis que la micro-polyphonie du compositeur moderne György Ligeti Ambiances offre un contrepoint éblouissant. La 2001 la bande-son donne l'impression de glisser dans le temps, mais de la plus belle des manières extraterrestres. —Adam Kivel

09. Trainspotting (mille neuf cent quatre vingt seize)

A l'écoute de la Trainspotting bande sonore peut ne pas produire le précis sentiment d'être sur une drogue intense comme les protagonistes du film - mais cela vous donnera certainement un buzz. Le mélange électronique et post-punk se nourrit de rythmes entraînants et du genre d'intensité aux yeux vides qui survient à la fin d'une longue nuit. Et nous ne parlons pas nécessairement d'un high heureux non plus. Iggy a peut-être eu une envie de vivre, mais nous savons tous où cela peut mener, les sirènes de synthé de Born Slippy d'Underworld signalent quelque chose à venir, et l'ironie funèbre de Perfect Day de Lou Reed persiste. Il y a une gueule de bois qui arrive - ou peut-être que c'est tout ce que nous avons - même à travers le high. -Lior Phillips

08. Plus ils viennent (1972)

Comme le film, la bande originale de cette sensation culturelle était enracinée dans sa vérité. Alors que Plus ils viennent exaltait la grandeur de la culture jamaïcaine, le film parlait également des difficultés qui pesaient sur le peuple, ce qui en faisait l'une des déclarations politiques les plus durables et les plus frappantes de son époque. La plupart s'en souviendront maintenant pour avoir ouvert la porte au succès mondial du reggae, mais la qualité la plus remarquable de la bande-son n'était pas seulement d'exposer l'attrait du reggae, mais sa puissance inhérente. La bande originale canalise toute la passion et la rage du peuple, pris de fatigue sociétale, élevant ainsi le message du film à des hauteurs légendaires. –Doug Nunnally

07. Au-dessus du bord (1994)

En 1994, la ferveur pour le rap en général et Tupac Shakur en particulier a conduit plusieurs bandes sonores des charts Billboard mais de ce moment critique du hip-hop, Au-dessus du bord a frappé un nerf, grâce à l'émotion brute du film et au lien de puissance rap de la bande originale. À la sortie du film, Tupac était en train d'établir sa légende, tandis que Suge Knight et le Dr Dre travaillaient comme producteurs de la bande originale. L'histoire du film sur le basket-ball en tant que lutte et triomphe présente à la fois les sommets radieux et les profondeurs granuleuses que le rap peut atteindre, de Big Pimpin de Tha Dogg Pound et Regulate de Warren G à Pain de Tupac - un point culminant qui fournit le point culminant émotionnel du film dans lequel son personnage, le méchant Birdie, est tué. —Adam Kivel

06. Graffiti américain (1973)

Je veux connaître le vrai titre du Graffiti américain bande sonore'est en fait étiqueté 41 hits originaux de la bande originale du graffiti américain . Une bonne affaire, non ? Ouais, comme les savoureux burgers et frites du Mel's Drive-Thru, ce double album est un vrai coup pour votre argent. Avec 41 titres, vous pouvez non seulement revivre le portrait nostalgique de George Lucas de l'Amérique de 1962, mais aussi obtenir une leçon rapide sur les débuts du rock'n'roll et du doo wop vintage. C'est donc à la fois une marchandise de cinéma et une véritable leçon d'histoire, qui rassemble plus ou moins tous les artistes que vous voudriez écouter de cette époque. Il y a Buddy Holly, The Flamingos, Chuck Berry, Fats Domino, The Platters, The Beach Boys, The Five Satins, pour l'amour du ciel, ça ne finit jamais. Et voyant comment la collection a été certifiée Platine trois fois, il n'est pas étonnant que MCA ait essentiellement utilisé le Graffiti marque pour continuer à rééditer ces anciens poussiéreux, car cette collection a engendré non pas un mais deux suivis. Oh mon Dieu, ça fait beaucoup de rock 24 heures sur 24. –Michael Roffmann

05. Hébété et confus (1993)

Il n'est pas surprenant qu'un film sur les adolescents dans les années 70 ait une excellente bande originale. Des succès reconnaissables aux rockers alors obscurs et même aux coupes profondes, le mélange du film était incontestablement à la hauteur de son nom musical (assez pour justifier deux volumes tout aussi géniaux). Mais la musique fait aussi partie de l'histoire ici, à travers des radios, des haut-parleurs et des écouteurs. Même les chansons placées artificiellement reflètent l'histoire, comme dans les scènes de bizutage masculin et féminin. Cela fait de la musique la star expérimentée ici, contribuant à élever la distribution montante et à faire entrer ce film dans le panthéon du cinéma jeunesse. –Doug Nunnally

04. Super mouche (1972)

En 1971, Marvin Gaye a remis en question l'état de sa communauté, et l'année suivante, Curtis Mayfield lui a donné la réponse avec Super mouche , une tapisserie sonore vivante qui affichait exactement ce qui se passait. À son apogée musicale, Mayfield ne passe sous silence rien, explorant les doubles standards de la société tout en donnant la voix aux victimes et aux prédateurs. Observateur principalement impartial, la colère de Mayfield est parfois soulevée, comme le concurrent Pusherman, et ce sont ces moments où Mayfield élève le rôle de la musique soul, montrant que la boussole morale doit être observée, même si la zone grise de la société continue de croître. –Doug Nunnally

03. Le garde du corps (1992)

Il est difficile d'imaginer une bande-son qui s'appuie fortement sur Kenny G et Joe Cocker pour se hisser près du sommet d'une liste comme celle-ci, mais vous pouvez vous en sortir avec un peu de Kenny lorsque vous avez également une performance aussi absolument légendaire que Whitney Je t'aimerai toujours de Houston sur Le garde du corps . La bande-son désormais 18x Platinum comprend d'autres superbes morceaux de Whitney – I'm Every Woman et Queen of the Night s'amusent – ​​mais en réalité, nous parlons de l'une des plus grandes performances vocales de tous les temps. L'apparition de la chanson dans le film a engendré d'innombrables parodies et approximations dans la culture pop, mais le magnétisme de Whitney ne sera jamais égalé. -Lior Phillips

02. Le diplômé (1967)

Benjamin Braddock, fraîchement diplômé, contemple le baril d'un avenir qui le perturbe. Celui vers lequel il se sent involontairement conduit, un peu comme le tapis roulant de l'aéroport pendant le Le diplômé générique d'ouverture. Et pendant ces moments de malaise et de déconnexion accrue arrivent les douces voix de Simon et Garfunkel en accord. Ils signalent le temps qui passe sans but (April Come She Will), accompagnent l'engouement croissant de Ben pour Elaine Robinson (Scarborough Fair / Canticle) et signalent son désespoir total (Mme Robinson) lorsqu'il apprend qu'elle épouse quelqu'un d'autre. Le plus mémorable, bien sûr, est l'utilisation par le film de The Sound of Silence. Qu'il joue alors que Ben est assis au fond d'une piscine en tenue de plongée ou alors que lui et Elaine partent vers un avenir inconnu, jamais une chanson et un film n'ont travaillé en tandem pour transmettre un sens plus vif de l'incertitude qui accompagne l'âge adulte. -Matt Mélis

01. Fièvre du samedi soir (1977)

Rare est l'album synonyme de tout un genre. C'est essentiellement Fièvre du samedi soir , la bande-son 15 fois platine et primée aux Grammy Awards qui a symbolisé tout un mouvement culturel et capturé une époque, le tout en moins de 20 titres. Maintenant, dites ce que vous voulez à propos du disco – sérieusement, si vous avez un problème, nous pouvons sortir cette merde et danser – mais il n'y a aucun doute sur le pouvoir derrière cet album. Le fils de pute a réussi à rester à flot dans les charts Billboard pendant 24 semaines consécutives - sans parler de 18 semaines consécutives à l'étranger au Royaume-Uni - ce qui en fait l'un des albums les plus réussis de tous les temps. Es-tu choqué'unités, mais soyons réalistes, cette chose saigne tout de suite.

Remplir la plupart de l'espace sont les plus grandes chansons des Bee Gees dans leur catalogue légendaire, des tarifs évidents comme Stayin 'Alive, Jive Talkin' et You Should Be Dancing aux trucs plus sensuels comme More Than a Woman, How Deep Is Your Amour et fièvre nocturne. Ces chansons suffiraient à elles seules à propulser cet album au statut légendaire, mais vous avez ensuite d'autres étourdissants de bonne foi comme KC et Boogie Shoes du Sunshine Band et If I Can't Have You d'Yvonne Elliman partageant l'espace avec des trucs fous comme la jambe de force du 19ème siècle de Walter Murphy Une quinte de Beethoven ou de David Shire Fantaisie -Singe Nuit sur Disco Mountain. Ce sont les 76 minutes les plus groovy jamais pressées sur vinyle et sans aucun doute la meilleure bande originale de tous les temps. –Michael Roffmann